Eduardo Naranjo expone en el Museo Casa de la Moneda

mayo 28, 2010 at 12:32 pm (Artistas, Exposiciones arte, Uncategorized) (, , , , , , , )

Uno de los pintores más relevantes del panorama contemporáneo español, autor de nuestra obra de la semana y que además es uno de los pesos pesados de la cartera de artistas de ArtWansonGallery, acaba de inaugurar una fantástica muestra en Madrid.

Se trata del excepcional pintor hiperrealista Eduardo Naranjo, un genio de los pinceles, que en esta ocasión se adentra en la técnica del grabado para realizar la fantástica serie  “Tauromaquia” que durante estos días y hasta finales de agosto acogerá el Museo Casa de la Moneda de Madrid bajo el título “Génesis de una tauromaquia”.

Aunque Naranjo se considera ante todo un pintor, su relación con la obra gráfica viene de lejos y antes de cautivarnos con estos delicados grabados sobre la lidia taurina también ha realizado otras series gráficas de impecable calidad e indiscutible belleza como “La Creación”, “Poeta en Nueva York” o “ Llanto por Sánchez Mejía”.

Ahora el Museo Casa de la Moneda le dedica esta pequeña pero intensa exposición en la que junto a los diez grabados que forman la serie podremos encontrar también los dibujos preparatorios y bocetos que Naranjo realizó antes de meterse de lleno en el grabado de las planchas, unas planchas en las que, con la colaboración del estampador Juan Lara, se ha realizado una gran innovación técnica utilizando  polímero en vez de el tradicional metal facilitando así la realización de los precisos y delicados trazos de Naranjo.

10 grabados acompañados de los poemas que las imágenes de Naranjo inspiraron al poeta y Premio Nacional de Poesía Carlos Murciano y que muestran la personal visión que Naranjo realiza de la plástica y el lenguaje visual taurino.

Una fantástica muestra de uno de los mejores artistas españoles del momento. Imprescindible.

Marta de Orbe

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“Tauromaquia” de Eduardo Naranjo

mayo 23, 2010 at 7:04 pm (Artistas, Obra de la semana, Uncategorized)

Mayo entra en su recta final y con él la feria de San Isidro da sus últimos coletazos, en apenas unos días el albero de Las Ventas volverá a quedarse vacío esperando las nuevas tardes de gloria del año que viene ya que este año, una vez más, la puerta grande no ha podido abrirse para ningún matador.

Y para despedir la feria y con ella nuestro repaso a la tauromaquia plástica, que mejor que decir adiós a los toros, por un tiempo, con un grabado de uno de los grandes artistas españoles contemporáneos, Eduardo Naranjo.

Su serie de grabados “Tauromaquia”, compuesta por 10 laminas grabadas en polímero y punta seca, es una auténtica joya en su totalidad pero dado que estamos diciendo adiós a San Isidro hemos elegido esta fantástica pieza en la que Naranjo plasma con sutil elegancia el final de la faena.

Una vista aérea de la retirada del toro, ya derrotado, por los mozos y los caballos de arrastre, una imagen en la que se resume toda la poética del fin último de la lidia.

Se trata, además, de un grabado excepcional en el que uno de los grandes genios de la pintura hiperrealista, como es Eduardo Naranjo, muestra y demuestra todo su talento, los trazos perfectos, las sombras adecuadas y el excepcional dominio de la técnica que permite incluso plasmar el reguero de sangre y arena que va dejando el toro en su último paseo.

Una pieza excepcional con la que despedimos San Isidro y con la que dejamos bien patente la enorme influencia que la estética taurina tiene en el lenguaje plástico de los artistas de ayer, de hoy y de siempre.

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“Tauromagia I” de Valentín Kovatchev

mayo 16, 2010 at 1:26 pm (Artistas, Obra de la semana)

El pasado fin  de semana todos los madrileños celebraron la fiesta de su famoso patrón, San Isidro. Como cada quince de mayo las vistillas, la pradera del santo y las calles más típicas de la capital se llenaron de chulapos y chulaponas, barquillos, rosquillas y limonada mientras la feria taurina llegaba su ecuador.

Aún quedan varias tardes de toros y nosotros, una semana más, volvemos a traer un ejemplo de cómo el toro y el toreo son fuente inagotable de inspiración para los más variados artistas.

La tauromaquia en si mima es arte en estado puro lleno de color, movimiento y magia, lo que la convierte en un excepcional caldo de cultivo para la imaginación artística como queda demostrado en este fantástico grabado al aguafuerte de Valentín Kovatchev, quien ha transformado los iconos de la tauromaquia en símbolos mitológicos creando así esta sorprendente “Tauromagia I”.

Kovatchev traslada el lenguaje taurino a un escenario onírico en las que las referencias a la estética clásica sirven de telón de fondo a una lidia tan especial como original en la que el torero supera su calidad de hombre valiente y se transforma en un elegante y gigantesco centauro mitológico que espera preparado la envestida del toro.

Un fantástico grabado, de factura y trazo excepcional en el que los cuidados colores y las distintas representaciones nos presenta esta lidia onírica de Kovatchev en la que la tauromaquia se convierte en “Tauramagia”.

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Las obras de arte más caras de la historia

mayo 13, 2010 at 12:30 pm (Artistas, Noticias de arte, Opinion, Uncategorized) (, , , )

Hace apenas unos días la sucursal neoyorkina de la emblemática casa de subastas Christie’s volvió a lograr un record histórico. “Denudo, hojas verdes y busto” pintada por Picasso en 1932 fue adjudicada por la friolera de 81 millones de euros convirtiéndose en la obra más valiosa del malagueño y también en la obra de arte más cara jamás vendida en una subasta.

"Woman III" de Willem de Kooning

De este modo nuestro español más universal desbancaba del altar de las subastas a Giacometti quien gracias a su “Le homme que marche”, vendido el pasado mes de febrero en Sothebys por 74,3 millones de euro, había ostentado el título del artista más caro en subastas al menos por unos meses y ahora pasa a ocupar el cuarto lugar del ranking de las obras de arte más caras de la historia.

Y digo el cuarto lugar y no el segundo porque a pesar de que Picasso y Giacometti están en el olimpo de los precios más elevados en subasta, el mercado del arte no se reduce a las veladas de pujas organizadas por las casas de subastas en todo el mundo y las transacciones entre particulares están a la orden del día y se mueven en precios verdaderamente astronómicos.

Precisamente en unas de estas transacciones entre particulares es donde encontramos las dos obras de arte más caras de la historia, dos obras que no son ni de Picasso, ni de Giacometti, ni de ningún gran artista de las vanguardias históricas, ni si quiera de un clásico como Rubens o Rembrandt, sino que están firmadas por dos de los más ilustres genios americanos del siglo XX, Jackson Pollock y Willem de Kooning.

“Woman III” de de Kooning ocupa el segundo puesto en este millonario ranking desde que en noviembre de 2006 David Geffen, importante productor musical y uno de los mayores coleccionistas de arte del siglo XX, la vendiera en una transacción privada al magnate Steve Cohen por nada más y nada menos que 107 millones de euros. La obra es uno de los pocos ejemplos del expresionismo abstracto figurativo y el único lienzo de la serie “Women” que se encuentra en manos privadas, ya que el resto de la serie esta celosamente custodiada en las salas del MOMA.

"Number 5 " de Jackson Pollock

Pero los 107 millones del lienzo de de Kooning aún quedan lejos de la cantidad pagada por la que sin duda es la obra de arte más cara de la historia, “Number 5” del gran maestro del expresionismo abstracto Jackson Pollock, un lienzo de más de 2 metros de alto realizado en 1948 y que en 2007 fue vendido una vez más en una transacción particular y también una vez más por David Geffen al multimillonario mexicano David Martínez quien no dudo en pagar la cifra más astronómica que jamás se ha oído en el mercado del arte, 109 millones de euros, más de 17.000 millones de las antiguas pesetas, es decir una barbaridad en cualquier moneda.

Así que ni viejas escuelas, ni impresionismo, ni vanguardias europeas, el expresionismo abstracto sigue ocupando el podium del mercado de las obras de arte y parece complicado poder alcanzarlo….

Marta de Orbe

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“Recorte Natural” de José Luis Zúñiga

mayo 10, 2010 at 10:01 am (Artistas, Obra de la semana, Uncategorized) (, , , )

Como cada año el mes de mayo nos vuelve a traer la cita más importante del calendario taurino, la feria por antonomasia, San Isidro. Durante todo el mes la plaza de toros más importante del mundo, Las Ventas, volverá a tener sobre su albero a los mejores matadores, banderilleros, rejoneadores y ganaderías y sus gradas se llenaran un año más del público más exigente dispuesto a gritar oles o abucheos a partes iguales, y es que nuestra fiesta nacional no deja de despertar pasiones.

Más allá de la fiesta en si misma, los toros, además de las citadas pasiones, también han despertado inspiraciones en innumerables artistas a lo largo de toda la historia del arte, desde Goya a Picasso los grandes genios del arte han encontrado en el mundo del toro una estética apasionante llena de fuerza y significado, por eso durante este mes nuestras obras de la semana tendrán como leitmotiv los toros y sus innumerables interpretaciones artísticas.

Y para empezar con este repaso a la “Tauromaquia” artística contemporánea, hemos elegido este fabuloso collage de José Luis Zúñiga, “Recorte natural”, una fantástica pieza de acrílico sobre lienzo en la que Zúñiga consigue mezclar con maestría “torera” modernidad y tradición, realismo y abstracción, movimiento y quietud.

“Recorte natural” nos muestra, sobre un fondo abstracto en el que colores planos llenos de simbología y los espacio geométricos sirven de escenario a una escena más tradicional en la que el torero se enfrenta al toro de costado, haciéndole un recorte al natural y mostrando así una de las escenas más estéticas y visuales del arte de la lidia.

Como en tantos otros artistas, el mundo taurino es un profundo pozo de inspiración para Zúñiga, quien a través de sus pinceles renueva la estética taurina dotándola de un lenguaje visual moderno y contemporáneo mientras plasma con realismo la tensión y la belleza del toreo.

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Lou Reed más romántico que nunca

mayo 7, 2010 at 12:23 pm (Artistas, Eventos, Exposiciones arte) (, , , , , )

El mayor representante de la movida musical neoyorquina en los 70, fundador de la mítica banda The Velvet Underground e íntimo de Warhol, el legendario Lou Reed ha resultado ser además de un músico excepcional, un fantástico fotógrafo.

El gusto por la fotografía de Reed viene de lejos, fascinado por su querido New York ha realizado más de una serie fotográfica inspirada en la ciudad de los rascacielos, pero su último trabajo, que durante estos días se puede ver en el Museo Es Baluard de Palma de Mallorca, supera con creces a sus series neoyorquinas y le sitúa como un fotógrafo de pura cepa.

Bajo el título de “Romanticism” Lou Reed nos sorprende con una serie de 23 fotografías tomadas entre 2005 y 2008 durante sus giras por España, Escocia, China, Italia, Dinamarca o Canadá, entre otros países y que salen a la luz por primera vez en el museo mallorquín.

Para todos los escépticos en la calidad artística de la obra de un músico convertido en fotógrafo, os despejamos toda clase de duda, Lou Reed es un genio también tras el objetivo.

Sus fotografías son impactantes, cautivadoras, excepcionales y llenas de historia pues Reed ha fijado la lente de su Alpa en paisajes, arquitecturas, tormentas, atardeceres, al más puro estilo de la estética romántica del XIX. Y es que el título de la serie “Romanticism” le viene al pelo, por que cada uno de los 23 trabajos sintetiza el gusto del estilo del XIX al milímetro. Viejas ruinas, monumentos abandonados, naturalezas violentas, tormentas, luces sombrías, una autentica maravilla que seguramente dejaría sin habla al mismísimo Turner.

Toda una sorpresa del siempre imprevisible Lou….

Marta de Orbe

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¿Qué es eso que suena tan bien? Pues resulta… que es Arte

mayo 5, 2010 at 9:52 am (Artistas, Exposiciones arte, Uncategorized) (, )

Sería genial que, cada vez que miráramos una obra de arte, emitiera un sonido. Que cuando los fluorescentes de nuestra cocina estuvieran a punto de fundirse, hicieran música o que las campanas de nuestro pueblo fueran-cada vez que redoblaran-una performance musical. En “Arte Sonoro”, todo eso, es posible.

La Casa Encendida de Madrid se convierte en la casa de los sonidos. Andrés Ramírez ha colocado a la entrada de la exposición varios fluorescentes que parece que se van a fundir en cualquier momento. Luces que suenan, hacen música y parpadean ignorando que nosotros, estamos debajo.

Carstein Nicolai nos sorprende con un poliedro blanco rodeado de sensores, como si fuera un ser vivo que, enfermo, permanece en cuarentena en un hospital. La que parece muy viva es la instalación de Ryoji Ikeda. Se trata de dos pantallas gigantes luminosas que emiten algo parecido a pentagramas y ruidos muy agudos. Si intentáis estar más de dos minutos observando esta instalación, entenderéis por qué el hombre de seguridad se queda fuera de la sala.

La muestra “Arte Sonoro” continúa en la terraza de La Casa Encendida, donde Martin Riches y Masahiro Miwa nos han preparado un artefacto de madera con el título de The Thinking Machine, la máquina pensadora. Un artilugio que en el fondo, es un ordenador, o eso dicen los creadores, que en un vídeo nos explican cómo unas bolas de metal crean música y funcionan igual que lo hace una moderna computadora.

Círculos que se iluminan y que podemos llegar a creer que son bosques, aunque los árboles sólo sean redondeles, como cuando éramos pequeños. Y paseando, encontramos hasta un campanario que ha ideado Llorenç Barber con el título de “Oyes Ergo Mueres”. Aunque la instalación se podría haber llamado perfectamente “Por Quién Doblan las Campanas”. Cada hora que pasa, las campanas suenan y como te quedes mucho tiempo mirándolas puedes acabar con la sensación de que la vida se te escapa.

Dejando a un lado la filosofía barata, si os apetece escuchar sinfonías de fluorescentes que se funden, óperas a base de ordenadores de madera o bosques hechos con círculos que ahora se iluminan, ahora desaparecen, no os podéis perder la muestra “Arte Sonoro” en la Casa Encendida de Madrid hasta el treinta de junio.

Arte….que no desafina.

Bea Pola

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Jardín de Córdoba de Isidoro Lázaro

mayo 3, 2010 at 9:28 am (Artistas, Obra de la semana) (, , )

Comienza Mayo, el mes de las flores, de las fiestas de las cruces, de la primavera en estado puro, por eso nuestra obra de la semana tenía que ser una pieza refrescante, primaveral, llena de luz y color, como el mismo mes de mayo.

Y que mejor que representar todos estos conceptos con un jardín, un jardín frondoso, verde y extremadamente bello como es este “Jardín de Córdoba” realizado por el pintor Isidoro Lázaro, uno de los pocos pintores que aún trata el género paisajístico, un género pictórico que llegó a su culmen en el siglo XIX y que inexplicablemente ha sido paulatinamente olvidado por el arte contemporáneo a pesar de ser una de las temáticas estéticamente más bellas y técnicamente más complejas.

En “Jardín de Córdoba” Lázaro capta una vista aérea de un delicado parterre alrededor de una fuente, su magistral domino de las luces, las sombras y el movimiento hacen de este lienzo una composición magistral en la que casi parece que podemos tocar las hojas de los árboles, percibir el movimiento del viento y oír el sonido del agua en la fuente.

Un lienzo de temática sencilla y a la vez excepcionalmente bella en el que Lázaro plasma a la perfección uno de esos pequeños jardines llenos de encanto que podemos encontrar en cualquier rincón de Córdoba, una ciudad que precisamente este mes celebra una de sus fiestas más populares y conocidas, los concursos de patios, en la que los vecinos se empeñan en engalanar sus patios y jardines con miles de plantas y de flores consiguiendo un espectáculo lleno de aromas y colores del que disfrutan tanto los vecinos como todos los visitantes que son calurosamente recibidos por el pueblo cordobés.

Si tenéis ocasión no dejéis de visitar estos patios cordobés y quizás con un poco de suerte en vuestros paseos por la ciudad califal encontréis este fantástico jardín de Isidoro Lázaro.

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“Test 2003” de Al Atiq

abril 25, 2010 at 6:14 pm (Artistas, Obra de la semana, Uncategorized) (, , , , , )

Nuestra obra de esta semana mira directamente al próximo oriente, pero no al oriente tradicional y mitificado de las mil y una noches, al oriente del desierto y de los pequeños pueblos nómadas, sino a un oriente moderno, actual, cosmopolita y lleno de nuevos talentos que estamos seguros que pronto darán mucho que hablar en el mercado del arte internacional.

Y para acercarnos a este próximo oriente del siglo XXI hemos elegido la obra de uno de los artitas contemporáneos más relevantes de Qatar, Al Atiq, un artista, que ha pesar de nacer, crecer y formarse muy lejos de la vieja Europa se ha transformado en un auténtico humanista, ya que Al Atiq no es solo pintor, su carrera profesional le ha hecho destacar como diseñador grafico, editor, arquitecto y ante todo como artista.

Como podéis ver en este fantástico lienzo, Al Atiq bebe de los lenguajes artísticos occidentales, el informalismo, la abstracción, los lienzos matéricos y los collages de las vanguardias históricas, se conjugan en la obra de Al Atiq mezclándose con su toque personal influenciado por los colores ocres de su tierra natal y las texturas cambiantes de las texturas del desierto que le vio nacer, y cuyo resultado es tan efectivo, sorprendente, moderno y universal que nadie se atrevería a decir que se trata de la obra de un artista árabe.

Con esta fantástica pieza realizada en barro Al Atiq nos recuerda que en el imparable resurgir de los países pérsicos el arte tiene y tendrá un lugar destacado y los artistas árabes pronto ocuparan un lugar importante en las subastas internacionales, esto es solo un anticipo…

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“Rincón I” de Eduardo Naranjo

abril 19, 2010 at 11:42 am (Artistas, Obra de la semana) (, , , )

Suponemos que cuando veáis nuestra obra de la semana pensareis que de nuevo hemos apostado por una fotografía.

Y también suponemos que os quedareis tremendamente asombrados al descubrir que nuestra obra de la semana no es una fotografía sino un fantástico lienzo hiperrealista realizado por uno de los genios del arte contemporáneo español, Eduardo Naranjo.

Naranjo no necesita presentación, es uno de los más brillantes representantes del hiperrealismo español, con una carrera artística profunda e intachable, su estilo y su maestría técnica le han hecho ocupar un lugar indiscutible en el arte contemporáneo.

Sus obras plasman la realidad con tal precisión que en un primer vistazo el ojo puede confundir con facilidad la técnica de la obra y pensar que se trata de una fotografía porque, Naranjo, consigue capturar la realidad en sus lienzos de una forma sorprendente  gracias a sus acertadas pinceladas, su detallado estudio de la luz y sobre todo a su don mágico y único que le convierte en un artista con letras mayúsculas.

“Rincón I” es un claro ejemplo del estilo y del genio creador de Eduardo Naranjo, los blancos perfectamente tratados de la tapia, los reflejos del sol en los tejados, la indiscutible maestría con la que plasma el cielo, un cielo tan real que incluso parece que sus nubes están en movimiento, una composición tan delicada y perfecta que nos transporta a ese mismo lugar fundiendo realidad y ficción y transmitiéndonos sensaciones tan reales que llegan a ser sensoriales, apreciando detenidamente el lienzo podemos incluso  sentir el clima de ese momento la temperatura, la luz, un ligero viento……..gracias a una obra simplemente perfecta.

Eduardo Naranjo nos demuestra una vez más con este “Rincón I” que es uno de los grandes de la pintura, un auténtico artista tocado por la varita mágica del genio creador, un fuera de serie y uno de los artistas más perfectos que existen actualmente en el panorama español cuyas obras deben estar en cualquier colección de arte que se precie porque, adquirir un Naranjo es adquirir arte en estado puro

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