La Fundación Louis Vuitton para la Creación

octubre 21, 2014 at 1:24 pm (Uncategorized)

20 de octubre de 2014

La Fundación Louis Vuitton para la Creación abre sus puertas en Paris con el objetivo de ser un referente dentro del circuito de arte contemporáneo y una parada imprescindible de ocio en la ciudad.

El extraordinario edificio que mañana se inaugura en Paris y que permanece abierto desde el día 20 de octubre, la Fundación Louis Vuitton para la Creación, comenzó a construirse en el año 2006, después de que Bernard Arnault, el presidente del grupo LVMH, presentará ante la opinión pública su soñado proyecto, cuyo diseño encargó a Frank Gehry, uno de los arquitectos con más prestigio de este siglo, de origen canadiense pero asentado desde edad temprana en EE.UU, ganador, entre otros, del Premio Pritzker y muy conocido en España por ser el creador del museo Guggenheim de Bilbao.

Foto: EFE

Aunque no es la primera vez que un museo se vincula a una empresa conocida, esta iniciativa no tiene parangón en cuanto a grandiosidad, belleza y dimensiones. El proyecto, que nace con la vocación de ser todo un referente dentro del circuito de arte contemporáneo, estará dedicado a los principales movimientos del siglo XX y XXI, poniendo especial interés en los nuevos creadores. Cuenta con 11 salas de exposiciones, un auditorio, terrazas, un centro de documentación y un restaurante. Está construido con los parámetros sostenibles, tiene un sistema de recogida del agua fluvial, y está erigido en sintonía con el lugar donde se ubica, concretamente el Bosque de Boulogne, que fue un tradicional coto de caza de la realeza que se convirtió en jardines en el siglo XIX.

Cerca de un estanque construido expresamente para acompañarlo, con 40 metros de alto, 150 de largo y una superficie de 2400 m2, han sido muchas las comparaciones que se han hecho sobre su diseño: un barco, una nube transparente, un iceberg formado por bloques de vidrio que simulan el hielo… Lo que sí es coincidente es que marca un antes y un después en la carrera de Gehry ya que ha puesto todo su esfuerzo en una técnica novedosa para curvar el vidrio que convierte al edificio, tal como describió su propio creador, en “transparente, lúcido, serio, mágico y efímero”.

Su construcción no ha estado exenta de problemas, puesto que muchos consideraban que este jardín no era terreno urbanizable ya que se trata de uno de los pulmones de la capital francesa (es dos veces más grande que el Central Park). Sin embargo, finalmente, ha superado todos los escollos y abre sus puertas para albergar no sólo muestras y exposiciones, sino simposios, reuniones, debates o espectáculos multidisciplinares. Todo un estímulo para la actividad cultural de la zona y reclamo para los visitantes.

La política del museo está muy definida: liderada por Suzanne Page, que es conocida por haber sido la cabeza visible del Museo de Arte Moderno de la Ville de Paris, la Fundación abre una nueva etapa en el patrocinio de arte que desarrolla el grupo desde el año 1990. Ya existe, por ejemplo, el Premio LVMH para Jóvenes Creadores y, por todos los integrantes del circuito del arte es conocido, el amor que desarrolla Bernard Arnault por la cultura y, concretamente, por el coleccionismo, lo que ha convertido al grupo en un agente de mecenazgo muy importante no sólo en Francia, sino a nivel mundial. Una actividad que le valió en 2014 el premio David Rockefeller por parte del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Los visitantes, podrán contemplar la colección privada del grupo empresarial y, cómo no, la primera exposición estará dedicada a Frank Gehry, concretamente al proceso de creación del edificio, que se presentará simultáneamente con la primera retrospectiva de Gehry en Europa en el Centro Pompidou.

Por tanto, el 20 de octubre es un día importante para el arte, para el coleccionismo y, para los creadores, por el papel de gran mecenas de Bernard Arnault. Faltaba un edificio en el que mostrar y alojar la colección del magnate, que comenzó en los años 80 cuando compró un Monet pintado en Londres en el año 1902. Después le siguieron obras de Jeff Koons, Basquiat, Andreas Gursky, Richard Prince o Gilbert & George hasta llegar a este proyecto, que es un paso más dentro de la escena cultural.

Dicen que en el año 2002 se conmovió con la inauguración del Guggenheim, y que ahí se empezó a fraguar la idea que se ha convertido, ya desde el primer día, en un referente a nivel mundial. No puede existir un mejor comienzo.

 

Laura Iglesias
Redactora y fotógrafa para Art Wanson Gallery

Anuncios

Permalink Dejar un comentario

Art Wanson Gallery, en su sede situada en The Westin de Valencia, albergará hasta diciembre una muestra de las obras de Mercedes Lasarte, artista de la colección privada Carmen Thyssen-Bornemisza.

octubre 17, 2014 at 2:08 pm (Uncategorized)

IMG_0083 (2)El pasado martes, 7 de octubre, tuvo lugar la inauguración oficial de la exposición de Mercedes Lasarte en el espacio Art Wanson Gallery, situado dentro del hotel The Westin Valencia, uno de los iconos del lujo en la ciudad.

Esta destacada cita para el mundo del arte y el coleccionismo contó con un apadrinamiento de excelencia: Carmen Thyssen, que quiso estar al lado de la creadora de origen argentino, cuya obra ha sabido plasmar como nadie el universo onírico de la baronesa. Al igual que sucedió en Marbella, donde Art Wanson Group posee una galería, el proyecto que fundó Mercedes Duerinckx y que ya es toda una referencia mundial en cuanto a mecenazgo, organización de exposiciones y coleccionismo, quiso destacar la estrecha relación entre la pintora y la retratada, cuyo inicio se remonta a los años 70 cuando las dos vivían en EE.UU.

Como ha sabido describir el comisario de la exposición, Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen, las obras de Mercedes, así como sus sedas, piezas fundamentales de la obra, han acompañado desde siempre a la baronesa, tanto en los museos como en su casa, donde el estilo de la pintora emparejaba a la perfección con la decoración variada, fruto de innumerables vivencias y viajes.

Ese espíritu viajero y cotidiano es, precisamente, el que impregna la obra de Mercedes Lasarte: un estilo muy personal que, sin embargo, se muestra como cercano al espectador: vivencias cotidianas de la familia Thyssen y de la autora cuyas reminiscencias nos evocan las pinturas de los fauvistas, los postimpresionistas o los expresionistas. Una mezcla de estilos, caracterizada por los colores llamativos, por los trazos amplios y la aplicación plana de la pintura, las escenas vistas desde el mundo subjetivo de la artista y por la simplificación de formas, que hacen que la obra de Lasarte sea única en el panorama actual y que se compare a creadores como Matisse o Gauguin.

Tanto Franck de Weerdt, director General del Hotel The Westin Valencia, como Mercedes Duerinckx agradecieron la presencia de Carmen Thyssen y de la creadora. “Con esta exposición tenemos el honor de formar parte de los prestigiosos espacios a nivel internacional que han acogido la obra de Mercedes Lasarte”, expresó De Weerdt, mientras que Mercedes Duerinckx destacó su profundo respeto a la baronesa por “la labor que realiza a favor de la promoción de la cultura como coleccionista y mecenas a nivel nacional e internacional”.

IMG_0055 IMG_0185

“Mercedes Lasarte forma parte de mi historia”, explicó por su parte la baronesa. “Ella ha sabido expresar siempre a través de su pintura la esencia de momentos inolvidables míos y de mis personas más queridas” añadió.

La cita cultural contó con numerosos representantes del mundo de la cultura y la sociedad valenciana, que no quisieron perderse el encuentro, como la alcaldesa de Valencia, Rita Barberá; el pintor Vicente Colom; el presidente de la Fundación Bancaja, Rafael Alcón; los cónsules de Mónaco y Rusia, así como el presidente del Puerto, Rafael Aznar y su mujer, entre otros.

IMG_0043 (2)Todos ellos pudieron disfrutar de la exposición, del bello entorno y de las exquisiteces del restaurante Komori, así como de las delicatesen de Avenue Macaron o el champagne Perrier Jouët que convirtieron el evento organizado por Art Wanson Group en un éxito.

Con esta nueva exposición Art Wanson Group se consolida como un exponente del coleccionismo a nivel mundial, dando soporte y apoyo a artistas de renombre, así como a promesas del arte a nivel mundial.

Este proyecto nació hace cinco años, cuando el matrimonio Duerinckx, coleccionistas de arte, quisieron dar un paso más en su proyecto de vida fomentando el coleccionismo, la organización de exposiciones y el mecenazgo a nivel mundial.

Laura Iglesias
Redactora y fotógrafa para Art Wanson Gallery

Link: http://www.artwansongallery.es/exposiciones/art-wanson-gallery-exposicion-mercedes-lasarte-en-hotel-westin-valencia-id4204

Permalink Dejar un comentario

Identificar, innovar y transformar a través de las artes

octubre 7, 2014 at 7:51 pm (Opinion)

La globalización ha derivado en un cambio de escenarios, ha generado una nueva clientela y ha modificado la forma de consumir el arte.

Van Gogh

Si por un momento visualizamos en nuestra mente El dormitorio en Arles de Van Gogh, son muchas las imágenes e interpretaciones que abarrotarán nuestra mente. Iremos desde el colorido, pasando por los muebles hasta las sensaciones que nos despierta el cuadro. Sin embargo, la elección de esta obra no se fundamenta en su análisis exhaustivo sino, más bien, en que su composición puede asemejarse al mundo del arte. Al igual que en el cuadro cada mueble se encuentra en el lugar que le corresponde, en el mundo del arte cada cual ocupa su lugar.

El suponer que cada actor, ya sea museo, coleccionista o galería, ocupa un lugar determinado, da lugar forzosamente a un inmovilismo atroz. No se trata de reinventar el arte sino de reinventarnos nosotros para acabar con esas barreras. Si el arte no conoce fronteras, por qué debería conocerlas el sector. Estas líneas, lejos de propugnar la invasión de esferas o de iniciar una guerra de competencias, lo que reivindican es la colaboración entre los diferentes actores que componen este mundo. La construcción de puentes que beneficien a todos, es imprescindible en un mercado cambiante cómo en el que nos encontramos.

En el momento actual, podemos considerar que tenemos la oportunidad o la necesidad de detenernos para reflexionar hacia dónde va el sector y cuáles son los objetivos que debemos marcar a corto y a largo plazo. Al comparar el mercado con el sector, observamos que la evolución del primero ha sido mucho más rápida que la del segundo.

Por consiguiente, no sería erróneo afirmar que en la mayoría de las ocasiones el mercado le ha ganado terreno al sector. La globalización ha derivado en un cambio de escenarios, ha generado una nueva clientela y ha modificado la forma de consumir el arte. Esta última consecuencia, se ha visto influenciada a su vez por la situación económica.

Al recorrer las diferentes esferas que configuran el sector, la tendencia principal en el mundo del coleccionismo es un cambio de escenario. El viejo continente ha dado paso al nuevo, que a su vez ha perdido terreno frente a los mercados asiático, ruso y árabe. A día de hoy hablamos también del mercado hindú y africano.

Este cambio de escenarios, así como la crisis económica en el viejo continente, ha propiciado la aparición de nuevos coleccionistas. Independientemente del perfil del coleccionista, esta esfera del conjunto global al que hemos llamado sector del arte, goza de una salud envidiable habiendo conseguido unos resultados que evidencian su buen estado.

Por el contrario las galerías de arte, sobre todo en España, se han erigido sin duda como la pieza más débil del engranaje teniendo un margen de maniobra escaso. Su capacidad de reacción viene condicionada por la clientela fija y la proyección internacional.

En un escaño superior, y no a mucha distancia, encontramos los museos. La idiosincrasia de estos es compleja. Conscientes de la situación en la que se encontraban han tenido que elegir modelos de gestión diferentes, con el objetivo de no llegar a los números rojos. Sin embargo, el pasar de un modelo a otro no ha sido suficiente y seguimos viendo como los museos están atravesando un momento complicado. A esta situación hay que sumarle una mayor competencia y los llamados museos “franquicia”.

La situación actual me lleva a reafirmarme en la imperiosa necesidad de crear sinergias, siendo este el empujón que necesita el mundo del arte. Una de las características principales del arte es su capacidad de entusiasmar. De ahí que nuestro éxito dependa de nuestra capacidad para captar la atención del público ya fidelizado, pero sobre todo de aquel que nunca antes se ha adentrado en el mundo del arte.

Estas sinergias a las que me refiero van más allá del mero sector del arte, al incorporar el sector público y privado. No sólo de pan vive el hombre, por lo que la participación del sector público no debe restringirse a las ayudas directas que pueda conceder. Si bien éstas son importantes, también lo es la creación de un marco adecuado que apoye al sector y le permita crecer. Del mismo modo, el sector privado tiene un rol importante y en muchas ocasiones clave.

Volviendo al símil utilizado con la pintura de Van Gogh. Cabe recordar que tanto impresionistas como postimpresionistas representaron una ruptura de los conceptos dominantes de la época. Al igual que la pintura racional quedó postergada a un segundo plano, las formas convencionales deben dar paso a una nueva forma de entender y vivir el arte.

Mercedes Duerinckx
CEO
Art Wanson Group

Link: http://www.artwansongallery.es/noticias/articulos/identificar-innovar-y-transformar-a-traves-de-las-artes-id4203

Permalink Dejar un comentario

Marcos Tamargo , el creador del MoveArt

septiembre 11, 2014 at 4:15 pm (Uncategorized)

Nacido en 1982, en Gijón, a pesar de su juventud, es uno de los artistas asturianos de mayor proyección mundial. Tras una Beca Erasmus en Inglaterra donde tiene contacto con el círculo artístico del momento, en 2007, decide marcharse a Nueva York para completar sus estudios en The School of Visual Arts y en The Art Students League.

Tamargo es el creador de “MoveArt”, una novedosa técnica pictórica que permite realizar dos cuadros sobre el mismo soporte usando una pintura visible solamente en la oscuridad. Así el espectador puede disfrutar de dos experiencias estéticas diferentes pero complementarias al contemplar la obra en función de la presencia o ausencia de la luz blanca.

Desde hace 3 años presenta sus obras a doble cara, en cada edición de los premios “Príncipe de Asturias” habiéndose hecho célebres por sus peculiares retratos de los galardonados. A pesar de su trabajo sobre la figuración, también le gusta trabajar la abstracción, las materias y las texturas.

Definiéndose como creativo, trabajador, impaciente y, sobretodo, un viajador del mundo. Abandonó su tierra natal para adquirir nuevos conocimientos y vivir experiencias personales en Inglaterra, en Nueva York y recientemente en África, que resultan influyentes e inspiradoras en la creación de su obra. “Desde Gijón a Nueva York, pasando por Inglaterra; me gusta plasmar experiencias personales”, explica el artista.

Sus obras se pueden contemplar en las más prestigiosas galerías y museos de Canadá, Estados Unidos, Alemania, España,..y ahora en la galería de Art Wanson Gallery en Marbella, con obras en exclusividad para su portfolio, consagrado a artistas que se mueven por pasión y excelencia. Siempre atentos a las últimas tendencias, sus fundadores perpetuán desde hace años su compromiso de promoción de artistas exclusivos de una gran proyección internacional y de un talento incuestionable, representando el espíritu y la esencia de Wanson.

Link: http://www.artwansongallery.es/artistas/artistas-pintores/marcos-tamargo-id4002

© Marcos Tamargo Premio Principe de Asturias de las Artes 2013 Mickael Haneke

© Marcos Tamargo Premio Principe de Asturias de las Artes 2013 Mickael Haneke

Permalink Dejar un comentario

El polo, un exponente más del arte ecuestre, que seduce a los artistas del mundo

septiembre 4, 2014 at 2:19 pm (Uncategorized)

¿Conocen a Adolfo Cambiaso, Facundo Peres, Juan Martin Nero, o Juan Carlos Harriot? ¿Les suena Dubai Polo & Equestrian Club, Santa María del Polo Club, la Triple Corona o el Campo de Polo de Palermo? Los primeros son algunos de los mejores jugadores de la actualidad y de la historia del polo, grandes estrellas internacionales con lo que, en su argot, se conoce como 10 goles de hándicap. Y los segundos, clubs o competiciones de este deporte, que se practica en equipos de cuatro jugadores, asociados a la alta sociedad y, principalmente, a países como Argentina o Reino Unido donde la tradición ha pervivido de un modo más notable.

Acudir a un encuentro de polo o a un club donde se practica es hablar de glamour, de elegancia y de excelencia así como de savoir faire, de tradición y de deportividad en estado puro. La destreza de los jinetes, así como la velocidad y la docilidad de los caballos, son un espectáculo de gran belleza que ha seducido a todas las artes, empezando por la pintura y terminando por el cine o el mundo de la moda. El tradicional mundo que envuelve a los jugadores de polo también ha sido homenajeado por marcas de lujo tal como la célebre Royal Salute, el famoso whisky de lujo que rindió tributo al deporte de los reyes con una edición especial, o prestigiosas marcas de joyas que retratan a los jugadores y sus caballos u organizan competiciones internacionales, como Bulgari y su “Copa de Oro.”

Yellow

© Mercedes Lasarte Yellow

¿Quién no recuerda la escena en Los Ángeles Equestrian Center del clásico Pretty Woman y que supo retratar la elegancia de los asistentes a las competiciones? ¿O la influencia en el mundo de la moda de marcas como Polo de Ralph Lauren o La Martina?

Un deporte de élite cuyo origen es difícil de establecer. Probablemente, surgió de manera espontánea casi al mismo tiempo que el hombre comenzó a cabalgar en caballos, o cuando los jinetes de los ejércitos descansaban de algunas de sus grandes batallas o se entrenaban preparándose para afrontar nuevos retos. Muchos historiadores, sin embargo, coinciden en dar por buena la etapa persa como el origen del deporte. De hecho, la literatura y el arte asiático son los principales referentes de la práctica del polo en la antigüedad: tapices y pinturas donde se pueden observar ya los principales elementos del juego o poemas, como es el caso del iraní Ferdousí, donde se registran torneos entre soldados.

Al parecer, en algunos países como China ya era un pasatiempo de la realeza durante siglos y así lo podemos comprobar en escenas de varios escudos de armas que han sido conservados hasta la actualidad. Después, la cronología parece menos difusa: de Persia a la India y de ahí a occidente, cuando en el siglo XIX la India pasa a ser colonia británica.

A partir de ese momento, comienza a ser un deporte muy popular entre las capas más altas de la sociedad, tanto en Europa como en América, estableciéndose las reglas que se siguen en estos momentos.

Un jugador de polo puede tener entre 10 y 13 caballos a su disposición, que son entrenados en esta rutina. Son animales de gran belleza que no dejan indiferentes. El mundo ecuestre es, quizás, uno de los más atractivos para las artes. La figura del caballo siempre ha producido fascinación en el ser humano. Su belleza salvaje cautivó por siglos a los artistas: Leonardo da Vinci, Tintoretto, Boticelli, Velázquez, Rubens o Delacroix, son ejemplos de grandes pintores que han retratado escenas con este animal como protagonista…

Por ese motivo y por extensión, el polo y sus jugadores han sido registrados en las obras de muchos artistas, sobre todo en Argentina, donde la tradición está más arraigada.

Argentina, que ha visto nacer y crecer una de sus artistas más reconocidas en el mundo a saber, Mercedes Lasarte. Ella ha sabido trasladar su particular estilo al campo del juego en varias ocasiones a través de sus oleos. Se trata de cuadros muy expresivos, con influencia de autores como Gauguin o los expresionistas alemanes, así como los creadores fauvistas, donde destacan la amplitud de colorido, el tratamiento del movimiento y que, como es habitual en su obra, revelan la cotidianidad de la autora, puesto que sus cuadros son fruto de sus experiencias vitales.

Conocida es su obra Polo en Sotogrande, de la colección Thyssen Bornemisza, donde se puede observar al jugador en el momento que golpea con el taco la pelota, envuelto en un escenario con una amplia naturaleza y que retrata ese movimiento con gran maestría; o Desert Series X, una seda en la que se ven a varias jugadores en medio de un partido y en el que se vislumbran a varias mujeres en el público con pamelas.

Y no es la única. Nombres como Harris Ben Jorj, Gabriela Marini o Eugene Pechaubes también han retratado, cada uno a su estilo, este juego milenario.

Acudir a un encuentro de polo y ver como los caballos están dirigidos por los jinetes con esa maestría sorprende a todos los asistentes, por lo que es una práctica habitual que los creadores que acuden a un encuentro se dejen envolver por la magia que se respira en un campo de polo.

Laura Iglesias

Redactora y fotógrafa para Art Wanson Gallery

Link: http://www.artwansongallery.es/obras/pinturas/oleos/yellow-id4168

Permalink Dejar un comentario

Art Wanson Gallery expone en Le Méridien Ra Beach Hotel & Spa: Le Méridien Hub, un lugar de encuentro para mentes creativas.

agosto 27, 2014 at 10:58 am (Eventos, Exposiciones arte)

©invitation_Claeyssens_ES_EN

Art Wanson Gallery expone en Le Méridien Hub: un lugar de encuentro para mentes creativas.
Las personas creativas se reúnen para conversar, debatir e intercambiar opiniones en el innovador y reinterpretado lobby de hotel tradicional de Le Méridien: Le Méridien Hub. Los huéspedes y los habitantes del lugar están rodeados de instalaciones de alto impacto comisariadas, como obras de arte, proyecciones y fondos musicales exclusivos.

©IMG Claeyssens

©IMG Claeyssens

Link: http://www.artwansongallery.es/exposiciones/art-wanson-gallery-exposicion-de-arte-y-dise%EF%BF%BDo-hotel-le-meridien-ra-id4133

Permalink Dejar un comentario

Sebastiao Salgado, fotógrafo comprometido

agosto 4, 2014 at 1:29 pm (Artistas)

sebastian salgado_genesis edicion coleccionista taschen

©Sebastian Salgado Genesis edicion coleccionista Taschen

Conocí la obra de Sebastiao Salgado hace casi 20 años, a través de un dominical y cuando mi proximidad con la fotografía todavía era incipiente. Me impresionó la belleza de las imágenes a pesar de la dureza de los temas a los que se acercaba, el blanco y negro exquisito, la dignidad con la que retrataba situaciones de máxima pobreza. Fue concretamente su trabajo ‘Las minas de oro de Sierra Pelada’ a través del cual me acerqué a su fotografía.

Sebastiao Salgado es uno de esos fotógrafos comprometidos con lo social cuya obra nos muestra otras realidades, de esas que no siempre gusta ver: el trabajo de las minas de sierra de oro pelada, como ejemplo, retrata una realidad extrema, donde el trabajo del hombre se convierte en esclavitud, y donde la vida del hombre se convierte en mera mercancía. Sus fotografías casi pictóricas no han estado fuera de controversia: muchos le han acusado de retratar desde la distancia el sufrimiento humano y una gran mayoría reconoce, sin embargo, la dignidad y la belleza con la que se acerca a estas personas, como da una humanidad merecida a personas cuyas vidas desgraciadamente no tienen el valor que corresponde y que casi se puede equiparar con lo salvaje.

Sebastiao Salgado, de origen brasileño, era economista, trabajaba en la administración de la OIC y lo dejó todo para dedicarse a la fotografía. Su primer contacto con la fotografía proviene de los años 70, cuando un día como otro cualquiera tomó una cámara y realizó la primera instantánea. Y quedó contaminado de este arte para siempre: la fotografía se convirtió en su modo de vida. Algo que les ocurre a los grandes, a los que ser fotógrafo se convierte en una condición, un viaje que se convierte en modo de vida.

Sus trabajos son de la larga duración, a través de largos viajes donde nos describe otros mundos y su condición es la de sociodocumentalista, aunque también ha sabido retratar la naturaleza en su expresión más bella. Trabaja con una leica y su mujer, Lélia, es parte fundamental del equipo, prestándole soporte en su carrera.

Entre los innumerables trabajos que ha realizado en su larga trayectoria podemos destacar tres: Trabajadores (1993) que documenta la evanescente y a veces dramática forma de vida de los obreros de todo el mundo, Éxodos (2000) que hace un tributo a la emigración masiva provocada por la hambruna, los desastres naturales, el deterioro medioambiental y la presión demográfica; y su última gran obra: Génesis, que es el resultado de una expedición de ocho años para redescubrir montañas desiertos, océanos, animales y pueblos.

Sus inicios hay que atribuirlos a sus colaboraciones con agencias fotográficas como Sygma, Gamma y Magnum Photos, aunque su gran éxito se atribuye a la agencia que dirige Lélia y que fue creada en 1994: Amazonas images, que se encarga de sus fotografías de forma exclusiva.

Su compromiso con lo social va más allá de la fotografía, por eso su carrera se torna tan interesante, tan lineal y tan coherente: Salgado ha estado colaborando, siempre en estrecha colaboración con su mujer de la que no se puede desligar su éxito con UNICEF, la Oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR), la organización mundial de la Salud (OMS), Médicos sin Fronteras y Amnistía Internacional.

Su próxima colaboración ha sido su participación en el 5 Foro Mundial del Medio Ambiente promovido por el LIDE.

“Deseo que cada persona que entra en una de mis exposiciones salga como una persona diferente”. “Creo que cada persona puede ayudar no necesariamente donando bienes materiales sino formando parte del debate y preocupándose por lo que sucede en el mundo”.

Ese es el leit motiv de su obra: descubrirnos realidades que superan nuestras problemáticas con creces, donde muchas personas se hallan en estado de desprotección y desposeimiento, donde hablar de dignidad se vuelve complejo y los problemas que tenemos en occidente se vuelven nimios, insignificantes.

Su obra nos hace pensar, reflexionar sobre las desigualdades, sobre la vida y la extremidad. Y lo hace con una extraordinaria belleza y respeto hacia el género humano.

Sebastiao, que ha realizado múltiples exposiciones y que posee numerosos premios y más de diez libros editados se define como un contador de historias. Cada uno de sus fotogramas nos cuenta algo, algo que va más allá: un compromiso con el género humano, un viaje por vidas desconocidas. Por eso, por su linealidad, respeto y un discurso lleno de coherencia se convierte en uno de los fotógrafos por excelencia de la actualidad.

 

Autor:  Laura Iglesias

Redactora y fotógrafa para Art Wanson Gallery

Permalink Dejar un comentario

FRANÇOIS DUERINCKX, Artista Pop Art

julio 28, 2014 at 7:19 pm (Artistas)

EXPONE SUS MODELOS

En El Mirador del Museo Thyssen-Bornemisza

Junio 2014

 AWG@Pirella (7)   AWG@FDDina (8)

François Duerinckx, Artista Pop Art expone dos modelos emblemáticos de su colección en El Mirador del Museo Thyssen-Bornemisza.

“FASHION SHOW POP MODELS ART”, es una colección pionera basada en los diferentes símbolos y marcas internacionales bajo una percepción única de la realidad.

François Duerinckx, nos ofrece su visión renovada del Pop Art del siglo XXI.
Historiador en sus horas y amante de los deportes de motor, ha creado “Dyna”, un homenaje a Harley Davidson y sus míticas motos y “Pirella” un guiño a la marca Pirelli y su emblemático calendario.

Nutriéndose brillantemente del movimiento Pop Art crea y customiza de manera original y detallista, tal un costurero de lujo, sus increíbles creaciones que destacan glamour y magnetismo.

Su universo muy personal se caracteriza por una talentosa creatividad y una gran tecnicidad. Customizando los objetos de la vida cotidiana, solo permite a su imaginación limitarle en el uso de materiales inéditos, y su imaginación no tiene limite…

Temas e Inspiración:

 

Coleccionista, fotógrafo, mecánico de prestigio, amante de Jean Cocteau, aventurero de espíritu, inspirado por el Pop Art, François Duerinckx fascina por su incansable imaginación, la atención especial que presta a los detalles y sus conocimientos de las historias de las marcas contemporáneas. Una cultura que enriquece cada vez por un trabajo previo de búsquedas históricas, periodísticas que lo lleva a lo largo de sus viajes en bibliotecas del mundo.

Trabaja como un guionista de cine, creando escenarios distintos para cada uno de sus modelos, jugando con los símbolos, los colores, las luces, los materiales. Con cada uno de sus modelos rinde un homenaje a una marca de prestigio contando su historia a través de una multitud de referencias que los más avisados notaran descubriéndolas en lugares insólitos del modelo.

Ha realizado una colección de 10 “top models”, el primer desfile de modelos Pop Art.

Técnica

 

François Duerinckx, artista Pop Art, se ve influenciado por las marcas, la publicidad, los magazines como consumidor en su vida cotidiana.

Utiliza técnicas industriales parecidas a las de carrocería de las mejores escuderías de coche del mundo y recicla objetos para darles otra vida.

Sus modelos son cada uno una joya de detalles y de técnica.

Su inspiración viene tanto de aniversarios importantes en la historia de una marca, como de calendarios prestigiosos, de revistas notorias o de personalidades que influyen sobre sus contemporáneos.

 

Cada pieza es Única, remodelada con fibra de vidrio, lijada, pintada con pintura al oleo y cepillo solamente, siguiendo los mismos procedimientos que los coches de prestigio del “Poli-Lustrado”.

A continuación, añade diferentes tipos de materiales que exigen cada vez mas desafío para adaptarlos, tal como aluminio, plástico, caucho, cristal, adhesivo, arena, etc.

Cada creación de François Duerinckx lleva detalles que se convierten en su propia marca. Así se puede encontrar el sello FDW en la espalda de cada modelo y la bandera de la marca del país representada en un lugar de la obra…

Su sentido del detallismo para reflejar los símbolos de las marcas es tan preciso que cada coleccionista tiene que contemplar con atención cada creación para descubrir las referencias, los guiños que se dejan encontrar en los pendientes, los zapatos, las joyas…

Sobre pedidos de marcas de prestigio, es capaz de superar el desafío de crear obras únicas reflejando la historia y los símbolos que las definen.

Link: http://www.artwansongallery.es/artistas/artistas-promocionados/escultores/franois-duerinckx-id1183

Permalink Dejar un comentario

Annie Leibovitz Sumo

julio 14, 2014 at 9:46 am (Artistas)

taschen@big book Annie Leibovitz

taschen@big book Annie Leibovitz

Cuando Benedikt Taschen le propuso a la más importante retratista en activo reunir sus imágenes en un libro de las dimensiones de SUMO, la fotógrafa vio en este proyecto una idea atractiva y todo un desafío. La idea tardó varios años en dar sus frutos, un intervalo a la postre muy revelador. Leibovitz pasó revista a más de cuarenta años de carrera, desde el íntimo y visceral reportaje realizado para la revista Rolling Stone en la década de 1970 hasta los estilizados retratos con que ha colaborado con Vanity Fair y Vogue. Imágenes tan célebres como las de John y Yoko entrelazados en un último abrazo aparecen aquí junto a retratos pocas veces vistos anteriormente, cuando no inéditos. Leibovitz ha tenido la oportunidad de mostrar algunos de sus famosos retratos de grupo en un formato que prueba su absoluto dominio del género. Las suyas son fotografías a un tiempo íntimas y emblemáticas, con un amplísimo registro estilístico que es, además, inconfundible, intransferiblemente suyo. Muchos han imitado a Leibovitz, en especial fotógrafos más jóvenes. Pese a ello, su obra sigue resultando reconocible de inmediato.

 

La colección de Leibovitz arranca con una fotografía en blanco y negro del helicóptero de Richard Nixon despegando del jardín de la Casa Blanca después de que el presidente renunciase a su cargo en 1974 y culmina en el retrato formal a color de la reina Isabel II, obtenido en el palacio de Buckingham en 2007. Entre uno y otro, son retratos que constituyen un álbum de familia de nuestra era: actores, bailarines, humoristas, músicos, artistas, escritores, creadores, periodistas, atletas, empresarios… El poder y la interpretación son temas recurrentes. El cuaderno que acompaña al libro incluye textos de la propia Annie Leibovitz, Graydon Carter, Hans Ulrich Obrist y Paul Roth, así como breves textos en los que se describe a los modelos de las más de 250 fotografías.

 

Edición de coleccionista disponible con cuatro sobrecubiertas distintas:

Whoopi Goldberg, Berkeley, California, 1984

Keith Haring, Nueva York, 1986

David Byrne, Los Ángeles, 1986

Patti Smith, Nueva Orleans, Luisiana, 1978

 

Edición limitada de 10.000 ejemplares numerados y firmados. Disponible en edición de coleccionista (nº 1.001-10.000) y edición de Arte (nº 1-1.000) con una lámina fotográfica de gran calidad autografiada por Annie Leibovitz y cuatro sobrecubiertas. Ambas ediciones incluyen un atril diseñado por Marc Newson. «Retratos de nuestro tiempo»

Puede leer la entrevista con Annie Leibovitz haciendo clic aquí. Sobre la fotógrafa:

Annie Leibovitz ha estado en activo como fotógrafa durante cuarenta años. Fue la fotógrafa jefe de Rolling Stone y después la primera fotógrafa colaboradora de la resurgida Vanity Fair. Además de sus trabajos editoriales en Vanity Fair y más tarde en Vogue, ha creado diversas campañas premiadas de publicidad. Ha sido designada una Leyenda Viva por la Biblioteca del Congreso de los EE UU, Washington.

 

Sobre los autores:

Steve Martin es un célebre humorista, actor, escritor y músico. En 2010 publicó la novela, Un objeto de belleza.

 

Graydon Carter es editor de Vanity Fair desde 1992.

 

Hans Ulrich Obrist es el Codirector de Exposiciones y Programas y Director de Proyectos Internacionales de la Serpentine Gallery, Londres.

 

Paul Roth es el director del Ryerson Image Centre en Toronto.

El poder y la gloria

 

Annie Leibovitz SUMO

The Chateau Marmont, in West Hollywood, provided the glamorous backdrop last February, as Vanity Fair, Leon Max, and Benedikt Taschen celebrated the launch of legendary photographer Annie Leibovitz’s new limited-edition, sumo-size book by Taschen, Annie Leibovitz, now Art Wanson Gallery, Marbella Club is proud to present it.

 

Permalink Dejar un comentario

MERCEDES LASARTE

mayo 26, 2014 at 6:08 pm (Exposiciones arte)

Composition Red 2014©Mercedes Lasarte

Exposición

con una selección de la colección privada de

CARMEN THYSSEN

cedida temporalmente para esta exposición

Mercedes Lasarte: “Como la gente, el arte debería reinventarse continuamente. Lo hago en cada uno de mis cuadros, experimentando con técnicas, colores, formas…”.

Art Wanson Gallery y Art Wanson Group, privilegiados asociados en las festividades conmemorativas del 60 aniversario del Hotel Marbella Club – un emblemático enclave, fundado por el gran aristócrata y visionario Príncipe Alfonso von Hohenlohe – presentan la exposición de obras de Mercedes Lasarte junto a una exquisita selección de óleos pertenecientes a la colección privada de la Baronesa Carmen Thyssen, cedida temporalmente para la ocasión.

Comisariada por Guillermo Solana,director artístico del Museo Thyssen‐Bornemisza, esta exposición de más de cuarenta piezas nos comunica poesía, recuerdos alegres y la visión de una naturaleza idealizada y mágica – retratada en vivos colores con un estilo inconfundible.

Mercedes Lasarte pinta aquellos ‘recuerdos que se quedan para siempre’. La artista y gran amiga de la Baronesa Carmen Thyssen, – ellas comparten 40 años de amistad – ha sabido nutrirse de las influencias de las pinturas de Gauguin y de los Expresionistas Alemanes o de los pintores del movimiento Fauve. “Los característicos y fuertes colores que representan las figuras y las escenas se perciben en todo su brillo y esplendor. El contenido pictórico se reduce a formas elementales, empezando desde una aplicación plana de la pintura. De aquellos colores puestos uno al lado del otro y de las figuras que inevitablemente crean, nace una composición rítmica que recuerda mucho a una composición musical.” Karin Adrian von Roques

Sus obras nos transportan a lugares y momentos pasados, a recuerdos preciados y llenos de paz. De ellas, emanan sentimientos de dulzura, paz y alegría de vivir. La exposición nos invita a reflexionar sobre la familia, la amistad y la felicidad, valores universales que nos transmite a través de su colorido lenguaje pictórico.

Mercedes Lasarte posee una larga y exitosa trayectoria. Nacida en Argentina, ha vivido gran parte de su vida entre Estados Unidos y Europa. Ha realizado numerosas exposiciones en los mejores y más prestigiosos museos y galerías de todo el mundo, como el de Sofía de Bulgaria, la Galería del Cisne de Madrid, junto a Shotheby’s en Londres y New York, en Beijing, el Museo Fader en Mendoza, Harry Winston, Paramount Picture o el Museo Thyssen-Bornemisza. Recientemente ha expuesto en la Gala de Christies, evento comisariado por la Princesa Charlene de Mónaco y el Príncipe Alberto II.

La exposición temporal compuesta únicamente por obras museísticasse podrá disfrutar hasta septiembre en la Galería ‘Art Wanson Gallery’, Hotel Marbella Club, Marbella.

Copyright © 2014 Art Wanson Gallery

Link: http://www.artwansongallery.es/exposiciones/mercedes-lasarte-mayo-2014-id4128

Permalink Dejar un comentario

« Previous page · Next page »