“Atardecer” de Ignacio Davila Golmayo
Comenzamos el mes de marzo con la obra de una de las jóvenes promesas del arte contemporáneo español, Ignacio Davila Golmayo, “Matute”, un nombre del que seguramente todos los interesados en el mundo del arte empezaremos a oír hablar muy pronto, porque “Matute” es uno de esos artista que además de tener una profunda formación académica cuenta con un don innato para la pintura, una mano suelta y precisa que seguro le hará ganarse un lugar en el arte contemporáneo español, de hecho ya lo esta haciendo y algunas de sus obras han salido a subasta en la casa duran el pasado 2009.
Aunque sus primeras obras se centraron en el grabado “Matute” ha comenzado a trabajar el óleo de una manera magistral como deja bien claro en nuestra obra de la semana, “Atardecer” ,un fantástico óleo sobre madera en el que representa una de las intersecciones de calles más famosas de la capital, Príncipe de Vergara con Francisco Silvela y el emblemático edificio de Iberia al fondo de la vista.
“Atardecer” muestra el magistral virtuosismo técnico de “Matute” en un óleo que bien podría parecer una fotografía gracias al dominio de los detalles, los colores, la luz, las sombras. Un fantástico cuadro hiperrealista muy cercano a la línea del gran Antonio López, que bien podrá hacer las delicias de los amantes de este genero pictórico ha un precio bastante moderado, por ahora, pues no nos cabe duda de que las obras de “Matute” pronto tendrán mucho que decir en el mercado del arte patrio.
Marta de Orbe
Cibeles Madrid Fashion Week , EXPERIMENTAL
Hay un mundo más allá del glamour predeterminado. La última edición de la Cibeles Madrid Fashion Week ha servido para demostrar que la moda no sólo tiene una cara. Aunque no sea su semblante más conocido, la semana de desfile también ha permitido mostrar la faceta más experimental de los diseñadores españoles. Seis días repletos de desfiles, seis días cuajados de pequeñas aportaciones que miran a una moda preparada para especular con conceptos pictóricos, escultóricos y conceptuales que permiten introducir el diseño en el campo de lo artístico.
Los creadores de El Ego, la división de Cibeles centrada en la promoción y difusión de los nuevos talentos, abrieron el maratón de presentaciones. Isabel Mastache es una buena demostración de lo que deben ser en el presente los diseñadores noveles: un torrente de ideas estimulantes, más cercanas a lo especulativo que a la pura y dura realidad. Su desfile, inspirado en el folklore búlgaro, fue una magnífico repertorio de complejas esculturas vivientes, donde el mestizaje de lo tradicional adquiere una nueva dimensión física y conceptual. Carlos Doblas, aunque necesita una tercera colección para demostrar todo lo que vale, en su segunda intervención en El Ego, evidenció que lleva camino de convertirse en uno de los creadores más interesantes del certamen. Su experimentación con los contrates, tanto en texturas (mezcló denso y liviano) y acabados (conjugó opaco y transparente), como en cortes que sumaban simetría y asimetría.
Pero, como suele pasar, la experiencia siempre es un grado. En el terreno de la experimentación con tintes artísticos, la diseñadora Ana Locking se mueve como pez en el agua. “Pare un estampado sacado de la obra pictórica abstracta de Damien Hirst, pero en realidad es la interpretación del Pintoyo, ese juego donde sobre un círculo giratorio íbamos echando colores de pequeños”, explicaba la propia Ana antes de su presentación. Aunque en principio diese la sensación de algo lúdico y naïve, en realidad se trataba de “exponer el factor de la casualidad y la espontaneidad dentro de la creación de moda”, concluye la diseñadora.
Experto también en estas lides, Davidelfín sorprendió con una colección donde la depuración formal y conceptual encontraba
por fin el fino equilibrio que la firma siempre ha buscado entre sus tradicionales tensiones. A través de una magistral reinvención de la sastrería tradicional, el creador malagueño nos llevó a un terreno donde del choque entre la masculinidad y la femineidad, lo oscuro y lo luminoso, la íntimo y lo externo, surgía una moda contundente y visionaria, pensada para hacer pensar, pero con altísimas dosis de sofisticación.
Aunque menos conceptual, la poética visual de Amaya Arzuaga rebusca siempre en los principios de la arquitectura brutalista. Sus complejas estructuras dotan a la moda de un perfil constructivo que se aleja de la interpretación cotidiana de la anatomía de la mujer, proponiendo formas extremas y soluciones más cercanas a una nueva belleza futurística. Las sobredimensiones, en realidad, han sido una de las grandes innovaciones de la Pasarela Cibeles. Carlos Díez es más underground que arty, sus gigantes mochilas y zapatones con plataforma pretenden más desequilibrar la identidad de las proporciones de la moda desde el máximo gamberrismo que desde lo conceptual. Suyo es el título de enfant terrible de la moda española.
Entre todos estos diseñadores, se expone la versión más creativa de la nueva moda española. Una posición donde los tics fashionistas de nuestros diseñadores por fin son desterrados, en pos una investigación más rica y evocativa, capaz de conectar a la Cibeles Madrid Fashion Week con las más potentes corrientes creativas internacionales.
Alex Carrasco
Arco2010, contención y un poco de polémica
Un año más Arco cierra sus puertas tras cinco dias en los que los pabellones del Ifema han cobijado a artistas, galeristas, críticos, coleccionistas, posibles nuevos compradores, entendidos, curiosos y sobre todo un público con ninguna intencion de compra que,en general, asiste al evento con esa particular cara de interés del que no comprende en absoluto el 80% de las obras.
En la XXIX edición, uno de los mayores atractivos era la presencia de la ciudad de Los Ángeles como metrópoli invitada. En ediciones anteriores lo habitual era que se invitara a países, pero dada la gran diversidad artística y creativa de la urbe norteamericana, podría por sí sola acudir con un importante número de artistas. Destacando las obras de Shirley Tse y Diana Thater el resto de aportaciones de la gran meca del arte de la costa oeste nos han dejado un poco frios y en el mejor de los casos indiferentes.
Pecando de una gran falta de originalidad habrá que mencionar que la crisis ha llegado a ARCO, hay menos galeristas, los stands son más amplios, cosa que se agradece, y las astronómicas cifras que se barajaban en años pretéritos son tan sólo un recuerdo, siendo las obras de Bacon y Botero las más cotizadas.
Pero la crisis también ha afectado a la creatividad o al riesgo de los galeristas a la hora de traer sus obras. Estamos ante una edición en la que ha primado la contención, lo moderado frente al tradicional histrionismo, lo más clásico de lo más moderno en definitiva apuestas seguras para coleccionistas y poco riesgo para los galeristas.
Y que sería de Arco sin su polémica, este año de la mano del artista madrileño Eugenio Merino, que ya en ediciones anteriores busco con éxito el escandolo con sus esculturas de Fidel Castro como un zombi o del pope del arte contemporaneo, Damien Hirst, pegandose un tiro. Los flashes no paraban de parpadear ante una triple escultura de poliuretano de un musulmán, un cristiano y un judío en actitud orante, que más que una ofensa te hacían recordar los castellers de Vilafranca, junto a ella una metralleta Uzy que servía de base para un candelabro hebreo de siete brazos. La protesta formal, no del ayuntamiento de Vilafranca, de la embajada de Israel no ha impedido ni su exposición ni su adquisición en 45.000 euros por parte de un coleccionista belga y supuestamente judio y ha empujado a la cuestinable obra de Merino a la primera plana de todos los periodicos, a los telediarios y al boca a boca de todos los visitantes a la feria.
Una vez más la polemica , lo anecdótico ha hecho sombra a algunas de las nuevas propuestas que nos ofrecia Arco2010, quizas no eran suficientemente interesantes, quizas la pura provocación sea el arte del futuro.
A.C.Desviat
“Esclave 3” de Guy Le Perse
Hace apenas unas horas la XXIX edición de Arco cerraba sus puertas clausurando cinco días de arte rabiosamente contemporáneo, aunque mucho más comedido que en ediciones anteriores. Nuevos lenguajes, nuevas técnicas y nuevas formas de expresión con las que los artistas y los galeristas nos han sorprendido, encantado, perturbado, defraudado , pero ante todo nos han mostrado como esta el panorama creativo actual.
Tras cinco días inmersos en abstracción, arte conceptual, soportes novedosos, colores novedosos y temáticas aún más novedosas , nuestra obra de la semana nos devolverá al academicismo más clásico, al arte más tradicional, con técnicas y temáticas tradicionales tan poco presentes en el arte actual y apenas perceptibles en ferias como Arco, pero cuya belleza y calidad técnica las hace perdurar en el tiempo por encima de las modas y las subidas y bajadas del mercado del arte.
Se trata de “Esclave 3” una delicada escultura en bronce en las que las hábiles manos de Guy Le Perce esculpen una hercúlea figura masculina tendida sobre una roca, utilizando únicamente las ancestrales técnicas broncistas de una manera soberbia.
El tratamiento de la musculatura, con un estudio profundo de la figura humana, nos recuerda a las grandes obras escultóricas clásicas y renacentistas en el detalle de los tendones y la percepción de las venas en tensión , mientras que la postura forzada, retorcida en si misma, nos trae a la memoria a los grandes broncistas barrocos.
Toda la tradición de la escultura en bronce resumida en una pieza contemporánea pero en la que se conserva la majestuosidad y la belleza indiscutible de las obras clásicas.
Un guiño al arte clásico tras una semana de quizás demasiada locura contemporánea…
ArtWansonGallery triunfa en Doha
Si hablamos de Qatar, uno de los países más florecientes de los emiratos árabes, seguramente vengan a nuestra cabeza palabras como petrodólares, oleoductos, pozos de petróleo etc., pero de aquí a unos años el emirato qatarí pretende ser más que un país árabe productor de petróleo, más que un país con una de las rentas per capita más elevadas del planeta, más que un punto neurálgico en la geografía del golfo pérsico, Qatar pretende convertirse en el referente cultural del próximo oriente, en un punto importante del mercado del arte y en una potencia cultural de primer orden y desde luego parece estar consiguiéndolo.
Y para llevar acabo este “Renacimiento cultural” encabezado de manera firme y decisiva por el propio emir de Qatar, Sheikh Hamad bin Khalifa-al-thami, el gobierno del país, apoyado contundentemente por la Qatar Fundation, ha comenzado a promocionar actividades culturales, simposios científicos, programas educativos, etc., en pro del desarrollo de su propia comunidad y favor de una apertura total a otros países, especialmente occidentales, con el fin de favorecer los intercambios culturales en un marco de respeto y aceptación mutua y totalmente alejado de la lacra del fundamentalismo que por desgracia impera en la zona y que gracias a dios encuentra un firme rival en las políticas aperturistas de estados como el de Qatar.
Doha, la capital qatarí, siguiendo este aperturismo cultural, esta convirtiéndose en el punto clave de la cultura árabe contemporáneo, primero con la inauguración del Museo de Arte Islámico en 2008, un museo diseñado por Pei para albergar la mayor colección de arte islámico del mundo y cuya apertura ha supuesto un antes y un después en la preservación del patrimonio y la historia cultural árabe, más tarde con la instauración del festival de cine de Tribeca, al que ya han acudido 
algunos de los popes del Star System americano como Robert de Niro entre otros, además de un apoyo total y constante a la abertura de galerías de arte contemporáneo por toda la ciudad y en 2010 todos sus esfuerzos se han visto recompensados al nombrar a Doha capital cultural del mundo árabe 2010, dentro del programa de capitales culturales árabes que la UNESCO lleva realizando desde 1995 gracias en gran parte a la cooperación de la liga árabe.
Por tanto Doha será durante todo este año la capital cultural del mundo árabe y el gobierno qatarí se ha tomado este nombramiento muy en serio, convirtiéndolo en el mayor evento cultural de la historia de Qatar, con más de 50 festivales culturales, una feria del libro, seminarios sobre cultura, ciencia, tecnología y por supuesto numerosas exposiciones de arte contemporáneo con las que se fomentará la interacción entre creadores árabes y extranjeros y potenciará los nuevos valores del mundo del arte qatarí en el mercado internacional.
visita del ministro de cultura de Qatar a "La pasion por el arte"
Ante un evento cultural de tal magnitud, Art Wanson Gallery no podría haber elegido un lugar mejor para inaugurar su proyecto “La pasión por el arte”, y el pasado mes de diciembre inauguró en Doha la primera de la exposiciones que compondrán este gran proyecto itinerante.
La calidad de nuestros artistas y la excepcional selección de obras han hecho posible que la primera exposición de “La Pasión por el Arte” haya conseguido un éxito arrollador, teniendo incluso que posponer su clausura en dos ocasiones y alcanzando una repercusión asombrosa dentro del ámbito de Doha Capital Cultural 2010, al ser visitada, entre otras personalidades, por el Ministro de la
Cultura , Artes y Herencia, Hamad bin Abdul Aziz Al Kuwari, quien mostró todo su apoyo a esta iniciativa pionera por parte de una galería de arte española y promovida exclusivamente con capital privado.
Sin duda el esfuerzo y la determinación de ArtWansonGallery en la promoción y mecenazgo de sus artistas se ha visto recompensado con la enorme acogida que Doha ha dado a “La Pasión por el Arte” , además con esta fantástica exposición ArtWansonGallery , abre una vía de colaboración con el país árabe en pro de la promoción y mecenazgo de posibles talentos qatarís y a favor de una intercambio cultural constante entre el mundo del arte contemporáneo árabe y el occidental.
Marta de Orbe
Barceló y su “Solitude organisative”
Mikel Barceló es sin duda alguna uno de los artistas contemporáneos españoles más relevantes del panorama artístico actual, trabajador incansable ha conseguido que su obra pase a formar parte de la historia del arte español del siglo XX y con toda probabilidad del XXI.
Barceló es uno de esos artistas que adoras o que odias, con el no hay término medio y no deja indiferente a nadie, por eso, tras su polémica intervención en la cúpula del edificio de las Naciones Unidas de Ginebra, Barceló se ha involucrado personalmente en esta nueva muestra que bajo el título “Solitude organisative” ha organizado la fundación “La Caixa” en su espacio de CaixaForum Madrid y con la que el genio mallorquín volverá a intentar convencer a los incrédulos y a satisfacer a sus más fervientes seguidores.
Se trata de una exposición extensa, con más de 180 piezas, y personal, muy personal puesto que el objetivo principal de la muestra es permitir al visitante adentrase en el universo Barceló y profundizar en su experiencia creativa a través de los trabajos que el artista ha realizado a lo largo de más de 20 años de carrera .
La selección de obras, llevada a cabo por el propio Barceló, incluye no solo sus obras clave sino también cerámicas, esculturas, dibujos, carteles, libros o cuadernos de viajes personales, transmitiendo al visitante el ritmo y la variedad de la trayectoria de Barceló, una trayectoria completamente autodidacta en la que el artista a puesto a prueba los géneros y sobre todo las técnicas artísticas de una manera tremendamente original.
Un viaje por el “Universo Barceló” en el que apreciar sus lienzos llenos de materia y texturas, sus delicadas acuarelas, sus sorprendentes esculturas y todas sus inspiraciones, la noche, el mar, Mali, y como colofón final sus retratos, un género poco común en el arte contemporáneo pero que Barceló trabaja impregnándolo con su sello personal y renovándolo por completo al retratar a sus amigos , sus conocidos, a la gente que admira e incluso a él mismo en un espectacular autorretrato, “Solitude organisative”, el mismo que da nombre a la muestra y en el que Barceló se representa como un gran gorila blanco, sentado en un rincón, observador e impasible, apartado pero admirado, toda una metáfora del propio artista…
Marta de Orbe
“Corazón negro” de Olimpia Velasco Ruiz
Acabamos de comenzar la gran semana del arte contemporáneo , durante los próximos siete días las ferias de arte contemporáneo invadirán la ciudad mostrándonos lo mejor, y seguramente también algo de lo peor del panorama artístico actual.
DeArte, ArtMadrid y por supuesto Arco volverán a enseñarnos que se cuece en estos momentos en el arte contemporáneo, artistas nuevos y consagrados nos sorprenderán con nuevos lenguajes de expresión, videos, instalaciones y performance que por unos días convivirán con la pintura y la escultura de la más rabiosa modernidad.
Por eso nuestra obra de la semana es una pieza que bien podríamos encontrar en cualquiera de estas ferias, de hecho la artista responsable de tan fantástica instalación, Olimpia Velasco Ruiz, ya ha estado presente en ferias tan relevantes como ArtParis, Kiaf Seul o Estampa, con lo que ha conseguido labrarse una buena posición en el panorama artístico actual.
“Corazón negro” es una pieza de rabiosa modernidad , con un lenguaje artístico innovador tanto en la técnica, al abandonar las técnicas tradicionales y optar por los nuevos medios de expresión, como en el concepto, pues esta llena de mensaje y contenido.
Se trata de una instalación formada por 10.000 bridas negras que parecen brotar de una estructura de hierro en la que Olimpia decora la paredes interiores con miles de líneas y cuyo resultado final es una composición llena de fuerza visual y estéticamente impactante.
Pero además esta instalación , y no suele ser habitual en esta clase de obras, tiene un mensaje profundo y comprensible puesto que las líneas, las miles de líneas que generan las bridas, los dibujos y las sombras, son unas líneas llenas de contenido, como cita la propia artista “Son líneas que cuentan vidas, que las recorren, que se unen con otras líneas; líneas que son rutinas e ilusiones, líneas como madejas, enredadas, líneas que siempre están aunque no se vean, líneas que te cosen, que te atormentan. Recorridos y líneas recorridas que suceden a otras líneas, las pisan, te pisan….”.
Un fantástico ejemplo de que el arte más contemporáneo, más innovador, puede ser estéticamente bello, conceptualmente moderno y fácilmente comprensible. Esperemos que todo lo que veamos en esta semana pueda cumplir tantos requisitos como los que cumple la obra de Olimpia Velasco y no nos deje boquiabiertos pero fríos sino que nos impacte y nos convenza como este “Corazón negro”.
Mariano Fortuny y sus “Inspiraciones”
La próxima semana comenzará la gran cita con el arte contemporáneo español, Arco2010, pero también durante esa misma semana se celebrará la fiesta de la moda española por antonomasia, la pasarela Cibeles, lo que una vez más unirá, al menos temporalmente, a ambas disciplinas.
Y precisamente en este momento en el que arte y moda comparten el protagonismo en la vida cultura de la ciudad, el Museo del Traje ha inaugurado una exposición en la que ambas disciplinas se fusionan en un todo gracias a la obra de uno de los artistas españoles más interesante y relevantes del ya pasado siglo XX, Mariano Fortuny y Madrazo.
Fortuny es posiblemente el más claro ejemplo de la fusión del arte con la moda, al ser hijo del gran pintor decimonónico Mariano Fortuny y pertenecer, por parte de madre a una de las dinastías artísticas más relevantes e influyentes de la España del siglo XIX, los Madrazo, desde la cuna estuvo rodeado de belleza estética, de arte, refinamiento y exquisitez y aquello le empujó a convertirse en un artista completo y total, trabajando no solo el mundo de los textiles y el diseño por lo que fue mundialmente conocido sino que Fortuny también fue un esplendido grabador, un gran fotógrafo y un innovador escenográfo llegando incluso a inventar un procedimiento de iluminación escénica por luz indirecta que revolucionó la puesta de escena teatral, la famosa “Cúpula Fortuny”.
Por todo esto , esta exposición es un homenaje bien merecido que incomprensiblemente no se le había hecho antes, aunque dada la calidad y la exquisitez de la muestra la espera ha valido la pena.
“Inspiraciones” es el título de la muestra y el hilo conductor de todo el discurso expositivo, pues en él se recrea todo el universo de Fortuny, todo aquello que le inspiraba y por supuesto los productos de tan fructífera inspiración, como por ejemplo el Knossos, un fantástico foulard confeccionado en gasa de seda y decorado con los motivos típicos de la cerámica cretense que causó gran sensación en la época siendo citado incluso en algunos de los textos de intelectuales como Proust, D’Annunzio o Hartley, o el vestido Delphos , un vestido-túnica inspirado en el chitón jónico y elaborado a partir de cuatro paños de tela plisados y unidos entre si por minúsculos cristales de Murano, su sencillez y su perfección no solo le hizo objeto de deseo de mujeres como Isadora Duncan o Peggy Guggenheim sino que supuso todo un posicionamiento conceptual sobre la revolución femenina del siglo XX, además de ser el único diseño de moda que a lo largo de la historia se ha considerado una autentica obra de arte y el ejemplo real y palpable de la profunda relación que puede existir entre el arte y la moda.
Es una exposición excepcional, coqueta, intimista y muy cuidada , una inmersión total en el mundo de uno de los artitas españoles más interesantes del siglo XX y por supuesto una cita ineludible para todos aquellos interesados en la moda, una moda que sino llega a ser por el revolucionario trabajo de Fortuny, seguramente no hubiese sido la misma.
Marta de Orbe
Histórico record de Giacometti
El pasado tres de febrero la casa Sotheby’s celebró, en su sede londinenses, una de las subasta que sin duda pasarán a la historia del mercado del arte, consiguiendo batir más de tres récords en una sola velada y lo que es más sorprendente, con una sola pieza.
La responsable de tal hazaña es “L’Homme qui Marche” del suizo Alberto Giacometti, uno de los grandes nombres de las vanguardias históricas europeas y a partir de ahora el artista más cotizado de toda la historia del arte puesto que su “L’Homme qui marche” ha sido adjudicada por la desorbitante cifra de más de 74 millones de euros, lo que le ha hecho superar no solo el record personal del propio Giacometti y por supuesto el record de la pieza más cara subastada en Sotheby’s sino que “L’homme qui Marche” se ha convertido en la obra más cara jamás vendida en subasta desbancando al “Muchacho con pipa” de Picasso que desde 2004 ostentaba tan espectacular record.
A pesar de que el precio de salida, fijado en 18 millones de libras, se esperaba superar con creces, dado que en las subastas de noviembre una pieza similar de Giacometti supero su precio de salida en más de 6 millones de dólares, la cantidad final era completamente inimaginable, al igual que era inimaginable que una escultura consiguiese el título de “La obra más cara jamás vendida” cuando este título siempre lo ha ostentado alguna pintura.
En apenas ocho minutos las pujas se dispararon en un spring de precios cada vez más elevados que remató una puja telefónica ofreciendo 65 millones de libras (unos 104 millones de dólares), la identidad del comprador, por supuesto , indesvelable…
Así que Giacometti se ha convertido de la noche a la mañana en el artistas más cotizado de la historia y el antiguo propietario se hubiese convertido en un hombre inmensamente rico si no fuese por que era el Commerzbank, uno de los más importantes bancos alemanes que donará esta espectacular ganancia a su fundación y a distinto museos europeos y para el mundo del arte ha de ser gratificante que la cifra más elevada que se ha pagado jamás por una obra se revierta en el propio arte a través de los museos y fundaciones que a partir de ahora tendrán mucho que agradecer a Giacometti.
Marta de Orbe
“Escultura viva I” de Lluis Rizzo
La semana que viene Arco, la gran fiesta del arte contemporáneo de nuestro país, volverá abrir sus puertas para llenarnos de abstracción, nuevas expresiones artísticas, grandes y complejas instalaciones, videoarte y toda clase de lenguajes artísticos de rabiosa modernidad, por eso nuestra obra de esta semana será un guiño a lo clásico , a la pintura pura, al dibujo perfecto, a la luz estudiada, al virtuosismo técnico, por que la perfección siempre debe estar de moda.
Se trata de “Escultura viva I” , un fantástico lienzo en el que Lluis Rizzo deja rotundamente claro que es un pintor indiscutible, un artista con un don especial en el que su técnica completamente perfecta le permite practicar un hiperrealismo prácticamente fotográfico.
Las sombras, las luces , los matices y sobre todo el perfecto dominio de la profundidad que Rizzo consigue con sus pinceles permite al espectador no solo ver sus figuras sino sentirlas tan reales como una fotografía, pero una fotografía con una perspectiva tan trabajada que parece superar las dos dimensiones penetrando en el espacio del propio espectador, invadiendo su dimensión .
En “Escultura viva I” la figura femenina se debate entre una mujer real o una escultura perfecta y se erige en una peana tan milimétricamente trabajada que parece sobre pasar el mismo lienzo.
En definitiva se trata de una obra de trazo minucioso, estudio perfecto y un don especial que hace de Lluis Rizzo un artista indiscutible y muestra claro ejemplo de que lo clásico cuando es capaz de alcanzar este nivel de virtuosismo técnico, siempre será contemporáneo.
Marta de Orbe
Art Wanson Gallery 