François Duerinckx destaca en la última edición de Art Monaco, el espacio expositivo que promueve el arte contemporáneo en el ambiente más elitista.
Art Wanson participó en la sexta edición de Art Mónaco con obras de Mercedes Lasarte, René Magritte, François Duerinckx, Gari, Zurini y David David bajo la mirada de muchos de los mecenas más destacados del mercado del arte mundial que encuentran en Mónaco el lugar idóneo para buscar las piezas más destacadas del arte moderno y contemporáneo.
Mónaco, Monte Carlo
AWG@ArtMonaco15
Con su estilo de vida próspera, el flujo incesante de champán de oro y los yates de varios millones de libras amarrados en el puerto resplandeciente de Monte Carlo, Mónaco exuda glamur. Por lo tanto, Arte Mónaco, ahora reconocida como la única feria internacional de arte contemporáneo de la Riviera francesa, aplaude la calidad en lugar de la cantidad. Con un ambiente que siempre ha estado vinculado estrechamente al mundo del motor en el que participa activamente la aristocracia, François Duerinckx se erigió como uno de los artistas más visitados de las jornadas que se celebraron entre el 9 y 12 de julio con varias de sus obras más representativas que impactan por su singularidad y espectacularidad dentro del moviendo Pop Art. Su obra calificada de única e impactante se enmarca dentro de la tendencia pop art siendo claro homenaje a las marcas más apreciadas por el artista francés como Jean-Paul Gaultier, Chanel, Pirelli o Harley Davidson. Se trata de esculturas que fueron meticulosamente transportadas y manipuladas, por una compañía de referencia dentro del traslado de las obras de más prestigio y de los museos.
Este año el invitado de honor fue Lorenzo de Medici, príncipe de Florencia y descendiente directo de la familia Médicis, artista y mecenas de las artes, que estuvo muy implicado en el evento presidido por Johnessco Rodríguez que eligió Mónaco precisamente por su clara vinculación con el mecenazgo de artistas, no sólo consagrados sino de nuevos talentos.
AWG@ArtMonaco15 Príncipe Lorenzo de Medici y François Duerinckx al lado de la obra COCO 555, un homenaje a la casa de alta costura Chanel
Johnessco es un visionario empresario colombiano que lleva más de 20 años vinculado al mundo del empresariado artístico cuya pasión por el arte le han llevado a tener una clara idea de lo que significa la venta artística siendo el representante de una de las ferias con más glamur a escala mundial.
El espacio expositivo con el que contó el proyecto Art Wanson estuvo decorado tal y como marca el proyecto de mercadería de arte sobre fondo oscuro y que tanto ha llamado la atención que encaja con los detalles automovilísticos tan representativos en la obra del artista francés que gestiona junto a su mujer Mercedes Duerinckx trabajando ambos en el coleccionismo de arte teniendo galerías instaladas dentro de hoteles en Marbella y Valencia.
La tendencia un tanto futurista de François contrastaba con otra de las artistas vinculadas al proyecto Mercedes Lasarte cuyo contenido es más impresionista con dominancia de los tonos pasteles…
AWG@ArtMonaco15 Familia Thyssen Bornmeisza, Mercedes Lasarte, Mercedes Duerinckx y Johnessco Rodríguez
Tanto Mercedes Lasarte como François Duerinckx están también vinculados con la baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza que tiene en el fondo del Museo Thyssen de Málaga y en el Museo Thyssen Bornemisza parte de sus obras que participó en este evento que se está convirtiendo en un centro de excelencia de Arte, Diseño y Arquitectura y que está concebido como un espectáculo artístico.
Laura Iglesias
Redactora y fotógrafa para Wanson
Para más información:
Carpeta de publicaciones AWG: http://issuu.com/art-wanson-gallery
Presentación AWG: http://issuu.com/art-wanson-gallery/docs/awg_.pptx
Art Monaco 2015: http://issuu.com/art-wanson-gallery/docs/art_monaco_2015_awg_catalogue
Lasarte:http://issuu.com/art-wanson-gallery/docs/art_wanson_gallery_-_mercedes_lasar
El escultor Emmanuel Zurini comparte con Wanson pasión, excelencia y lujo por el arte automóvil.
En las esculturas de Emmanuel Zurini (Paris, 1942) se ven reflejadas sus pasiones, el motor, la velocidad y las carreras automovilísticas. El potencial visual que ofrecen sus obras es la preocupación del artista.
Emmanuel Zurini fue uno de los mejores fotógrafos de Fórmula 1 de la década de los sesenta, antes de dedicarse a la escultura en 1975. Sus espectaculares imágenes dieron la vuelta al mundo y se hizo muy popular dentro del mundo del motor.
Su primera obra fue diseñada sobre una mesa en un apartamento cerca de la avenida Trocadero. Era la primavera de 1975. Esculpió un automóvil en bronce, tipo años 30. El célebre comisario Hervé Poulain, quería vender su obra antes de octubre en la prestigiosa casa de subastas Drouot. Un comprador comunicó a Drouot su interés por la obra. Al domingo siguiente la escultura estaba adjudicada al empresario Michel Seydoux, empresario y célebre productor de cine por 4.000 francos, lo que equivale a 6000 euros de la actualidad. Esta experiencia le motivó enormemente a proseguir realizando esculturas, hoy día es un artista de renombre internacional y un maestro del cincel.
Las obras de Emmanuel Zurini lucen estilo y belleza. Obras muy delicadas pero a la vez potentes en las que la velocidad es capturada. Líneas puras, evasivas, curvilíneas parecen captar el movimiento gracias al bronce pulido con pátinas inusuales que resaltan la fuerza de sus esculturas.
Vehículos en los que imaginación y realidad se mezclan para ofrecer una pieza de arte elegante y sofisticada, que emanan poder.
AWG©E. Zurini Sterling Moss
AWG©E. Zurini Caracciola
AWG©E. Zurini Type 59
Su larga experiencia en el mundo del motor le permite sintetizar en las esculturas la emoción de las carreras, la perfección de los coches de carreras y de alta gama, la adrenalina de la velocidad, con un impecable equilibrio, ofreciendo esculturas con una extraordinaria estética.
Entre sus coleccionistas se encuentran coleccionistas amantes del arte y del motor, personalidades del sector automovilístico como fue Edsel Ford, Ferdinand Piëch, y clientes de prestigio como S.M el rey de Marruecos, Hassan II, el Emir de Bahrein y S.M el rey Alberto II de Mónaco, entre otros.
Sus obras de arte se venden en las más renombradas galerías de Londres o París y completan una gran colección constituida por Wanson con piezas inspiradas en el deporte automóvil, todas suntuosas y eclécticas que conquistan los ojos de los apasionados. Incluye también una serie de fotografías de edición limitada del artista francés, un testimonio inestimable de la prestigiosa historia del mundo del motor de los años 1964 hasta 1994 en las que aparecen retratados algunos de los rostros más emblemáticos de la Formula1, como Michael Schumacher, Aiton Senna, Alain Prost, Pironi, Alesi, Mansell, Jacques Laffite o J. Stewart. Una serie de instantáneas en las que Zurini consigue captar la fuerza y la velocidad de las carreras congelando con su cámara fotográfica los momentos más emocionantes de la Formula1.
Emmanuel Zurini mantiene una relación especial con Art Wanson Gallery, de amistad y afecto con François y Mercedes Duerinckx, los tres profesionales dedicando tiempo y arte al sector automovilístico, referencias en el mundo de la Formula 1 y sobre sus circuitos internacionales. Unidos, comparten los mismos valores: pasión, por el mundo del motor y el coleccionismo.
Laura Àvila
Redactora para Wanson
Link: http://www.artwansongallery.es/artistas/artistas-escultores/emmanuel-zurini-id513
Chris Pappan tells us about the tradition of Native American ledger art.
Chris Papan, one of the most renowned and unparalleled exponents of Native American art at the time, explains some key elements to understand his art. Chris Pappan has managed to portray the complex history of American Indians in an array of different media, among those, his pencil drawings have gained much recognition due to its excellent craftsmanship, elegance and precision. He has participated in numerous highly successful exhibitions in the United States and Europe that provided him with a reputation for both high quality and conceptual depth. An enrolled and proud member of the Lakota/ Kaw and Osage indian tribes, his art serves as bridge between the traditional and the contemporary world, making him, in addition, one of the most relevant indigenous living artists of today.
AWG: Tell us about your roots and how those roots find a way into your artwork, specially in your pieces showcased in Art Wanson Gallery. What is the meaning behind your figures and the people that you draw? Who are they? Are they members of your family or historical figures that shaped your community?
Chris Pappan Manifestation of Destiny 2014©AWG
CP: Manifestation of Destiny is about indigenous resistance in the face of immeasurable oppression. The figures aren’t anyone I know (sometimes I will draw my ancestors). All of the figures I draw are from historical photographs, but a lot of times I look for obscure photos of people who challenge what the majority of people think a Native American shouldlook like. I also look at clothing, different textures, and expressions of my subjects when choosing them.
Sometimes I feel also that I will connect with them on a spiritual level, and if they want their spirit to be known, then the drawing will flow naturally. If they don’t want their spirit to come back, then I will have difficulty drawing them, and I have to be sure to listen, and respect their wishes.
Chris Pappan Intertwined 2014©AWG
AWG: ¿What have you tried to portray in your piece entitled «Intertwined»?
CP: Intertwined alludes to the idea of casinos and how people think it’s a cure-all solution for a nations/community’s economical challenges. The central figure is rendered similar to a figure on a playing card, while the pattern surrounding him is from the back of an actual playing card. I have also included map collage, representing our ties to the land (or sovereignty) and gold leaf, representing both beauty and the lust for wealth.
Chris Pappan Crossoads 2014©AWG
AWG : ¿What is the message behind your piece «Crossroads»?
CP: Crossroads features the figure of a Sac & Fox man. The Fox were once prominent in the Chicago area where I live and I find their aesthetic wonderful, and its similarity to the Kanza (my tribe).
Many of our ancestors were forced to make choices that affect us today, and they were aware of that. Sometimes their choices didn’t have the outcomes they were hoping for, and may have had regrets, but we’ll never know. The colors are sacred colors of my people and represent the importance of tradition, but the circles represent spirits as stars, a contemporary abstract approach.
AWG: Tell us about the use of antique paper in these drawings currently showcased at Wanson Art Gallery. Why do you choose these materials, specially the antique papers? Which is your favorite material to work with?
CP: Manifestation of destiny and Intertwined are done on ledger paper and Crossroads is drawn on Santa Fe railroad stationery. I am continuing the tradition of Native American ledger art. In the mid 1800’s when the U.S. was expanding westward the invaders brought ledger books with them. This was the introduction of paper to the plains nations and they found it to be a suitable substitute for creating on deer and buffalo hides.
Originally the imagery consisted of the year’s past events for a tribe (a.k.a. winter count) but once forced onto reservations, and their old way of life in ruins, the ledger page was a good way to recount the details of a life that would never be the same.
Interview Chris Pappan / Javier Felipe González E Indigenous Art Expert – Art Wanson
Link: http://www.artwansongallery.co.uk/artists/artists-painters/chris-pappan-id3131
Sebastiao Salgado, fotógrafo comprometido
©Sebastian Salgado Genesis edicion coleccionista Taschen
Conocí la obra de Sebastiao Salgado hace casi 20 años, a través de un dominical y cuando mi proximidad con la fotografía todavía era incipiente. Me impresionó la belleza de las imágenes a pesar de la dureza de los temas a los que se acercaba, el blanco y negro exquisito, la dignidad con la que retrataba situaciones de máxima pobreza. Fue concretamente su trabajo ‘Las minas de oro de Sierra Pelada’ a través del cual me acerqué a su fotografía.
Sebastiao Salgado es uno de esos fotógrafos comprometidos con lo social cuya obra nos muestra otras realidades, de esas que no siempre gusta ver: el trabajo de las minas de sierra de oro pelada, como ejemplo, retrata una realidad extrema, donde el trabajo del hombre se convierte en esclavitud, y donde la vida del hombre se convierte en mera mercancía. Sus fotografías casi pictóricas no han estado fuera de controversia: muchos le han acusado de retratar desde la distancia el sufrimiento humano y una gran mayoría reconoce, sin embargo, la dignidad y la belleza con la que se acerca a estas personas, como da una humanidad merecida a personas cuyas vidas desgraciadamente no tienen el valor que corresponde y que casi se puede equiparar con lo salvaje.
Sebastiao Salgado, de origen brasileño, era economista, trabajaba en la administración de la OIC y lo dejó todo para dedicarse a la fotografía. Su primer contacto con la fotografía proviene de los años 70, cuando un día como otro cualquiera tomó una cámara y realizó la primera instantánea. Y quedó contaminado de este arte para siempre: la fotografía se convirtió en su modo de vida. Algo que les ocurre a los grandes, a los que ser fotógrafo se convierte en una condición, un viaje que se convierte en modo de vida.
Sus trabajos son de la larga duración, a través de largos viajes donde nos describe otros mundos y su condición es la de sociodocumentalista, aunque también ha sabido retratar la naturaleza en su expresión más bella. Trabaja con una leica y su mujer, Lélia, es parte fundamental del equipo, prestándole soporte en su carrera.
Entre los innumerables trabajos que ha realizado en su larga trayectoria podemos destacar tres: Trabajadores (1993) que documenta la evanescente y a veces dramática forma de vida de los obreros de todo el mundo, Éxodos (2000) que hace un tributo a la emigración masiva provocada por la hambruna, los desastres naturales, el deterioro medioambiental y la presión demográfica; y su última gran obra: Génesis, que es el resultado de una expedición de ocho años para redescubrir montañas desiertos, océanos, animales y pueblos.
Sus inicios hay que atribuirlos a sus colaboraciones con agencias fotográficas como Sygma, Gamma y Magnum Photos, aunque su gran éxito se atribuye a la agencia que dirige Lélia y que fue creada en 1994: Amazonas images, que se encarga de sus fotografías de forma exclusiva.
Su compromiso con lo social va más allá de la fotografía, por eso su carrera se torna tan interesante, tan lineal y tan coherente: Salgado ha estado colaborando, siempre en estrecha colaboración con su mujer de la que no se puede desligar su éxito con UNICEF, la Oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR), la organización mundial de la Salud (OMS), Médicos sin Fronteras y Amnistía Internacional.
Su próxima colaboración ha sido su participación en el 5 Foro Mundial del Medio Ambiente promovido por el LIDE.
“Deseo que cada persona que entra en una de mis exposiciones salga como una persona diferente”. “Creo que cada persona puede ayudar no necesariamente donando bienes materiales sino formando parte del debate y preocupándose por lo que sucede en el mundo”.
Ese es el leit motiv de su obra: descubrirnos realidades que superan nuestras problemáticas con creces, donde muchas personas se hallan en estado de desprotección y desposeimiento, donde hablar de dignidad se vuelve complejo y los problemas que tenemos en occidente se vuelven nimios, insignificantes.
Su obra nos hace pensar, reflexionar sobre las desigualdades, sobre la vida y la extremidad. Y lo hace con una extraordinaria belleza y respeto hacia el género humano.
Sebastiao, que ha realizado múltiples exposiciones y que posee numerosos premios y más de diez libros editados se define como un contador de historias. Cada uno de sus fotogramas nos cuenta algo, algo que va más allá: un compromiso con el género humano, un viaje por vidas desconocidas. Por eso, por su linealidad, respeto y un discurso lleno de coherencia se convierte en uno de los fotógrafos por excelencia de la actualidad.
Autor: Laura Iglesias
Redactora y fotógrafa para Art Wanson Gallery
FRANÇOIS DUERINCKX, Artista Pop Art
EXPONE SUS MODELOS
En El Mirador del Museo Thyssen-Bornemisza
Junio 2014
François Duerinckx, Artista Pop Art expone dos modelos emblemáticos de su colección en El Mirador del Museo Thyssen-Bornemisza.
“FASHION SHOW POP MODELS ART”, es una colección pionera basada en los diferentes símbolos y marcas internacionales bajo una percepción única de la realidad.
François Duerinckx, nos ofrece su visión renovada del Pop Art del siglo XXI.
Historiador en sus horas y amante de los deportes de motor, ha creado “Dyna”, un homenaje a Harley Davidson y sus míticas motos y “Pirella” un guiño a la marca Pirelli y su emblemático calendario.
Nutriéndose brillantemente del movimiento Pop Art crea y customiza de manera original y detallista, tal un costurero de lujo, sus increíbles creaciones que destacan glamour y magnetismo.
Su universo muy personal se caracteriza por una talentosa creatividad y una gran tecnicidad. Customizando los objetos de la vida cotidiana, solo permite a su imaginación limitarle en el uso de materiales inéditos, y su imaginación no tiene limite…
Temas e Inspiración:
Coleccionista, fotógrafo, mecánico de prestigio, amante de Jean Cocteau, aventurero de espíritu, inspirado por el Pop Art, François Duerinckx fascina por su incansable imaginación, la atención especial que presta a los detalles y sus conocimientos de las historias de las marcas contemporáneas. Una cultura que enriquece cada vez por un trabajo previo de búsquedas históricas, periodísticas que lo lleva a lo largo de sus viajes en bibliotecas del mundo.
Trabaja como un guionista de cine, creando escenarios distintos para cada uno de sus modelos, jugando con los símbolos, los colores, las luces, los materiales. Con cada uno de sus modelos rinde un homenaje a una marca de prestigio contando su historia a través de una multitud de referencias que los más avisados notaran descubriéndolas en lugares insólitos del modelo.
Ha realizado una colección de 10 “top models”, el primer desfile de modelos Pop Art.
Técnica
François Duerinckx, artista Pop Art, se ve influenciado por las marcas, la publicidad, los magazines como consumidor en su vida cotidiana.
Utiliza técnicas industriales parecidas a las de carrocería de las mejores escuderías de coche del mundo y recicla objetos para darles otra vida.
Sus modelos son cada uno una joya de detalles y de técnica.
Su inspiración viene tanto de aniversarios importantes en la historia de una marca, como de calendarios prestigiosos, de revistas notorias o de personalidades que influyen sobre sus contemporáneos.
Cada pieza es Única, remodelada con fibra de vidrio, lijada, pintada con pintura al oleo y cepillo solamente, siguiendo los mismos procedimientos que los coches de prestigio del “Poli-Lustrado”.
A continuación, añade diferentes tipos de materiales que exigen cada vez mas desafío para adaptarlos, tal como aluminio, plástico, caucho, cristal, adhesivo, arena, etc.
Cada creación de François Duerinckx lleva detalles que se convierten en su propia marca. Así se puede encontrar el sello FDW en la espalda de cada modelo y la bandera de la marca del país representada en un lugar de la obra…
Su sentido del detallismo para reflejar los símbolos de las marcas es tan preciso que cada coleccionista tiene que contemplar con atención cada creación para descubrir las referencias, los guiños que se dejan encontrar en los pendientes, los zapatos, las joyas…
Sobre pedidos de marcas de prestigio, es capaz de superar el desafío de crear obras únicas reflejando la historia y los símbolos que las definen.
Link: http://www.artwansongallery.es/artistas/artistas-promocionados/escultores/franois-duerinckx-id1183
Annie Leibovitz Sumo
taschen@big book Annie Leibovitz
Cuando Benedikt Taschen le propuso a la más importante retratista en activo reunir sus imágenes en un libro de las dimensiones de SUMO, la fotógrafa vio en este proyecto una idea atractiva y todo un desafío. La idea tardó varios años en dar sus frutos, un intervalo a la postre muy revelador. Leibovitz pasó revista a más de cuarenta años de carrera, desde el íntimo y visceral reportaje realizado para la revista Rolling Stone en la década de 1970 hasta los estilizados retratos con que ha colaborado con Vanity Fair y Vogue. Imágenes tan célebres como las de John y Yoko entrelazados en un último abrazo aparecen aquí junto a retratos pocas veces vistos anteriormente, cuando no inéditos. Leibovitz ha tenido la oportunidad de mostrar algunos de sus famosos retratos de grupo en un formato que prueba su absoluto dominio del género. Las suyas son fotografías a un tiempo íntimas y emblemáticas, con un amplísimo registro estilístico que es, además, inconfundible, intransferiblemente suyo. Muchos han imitado a Leibovitz, en especial fotógrafos más jóvenes. Pese a ello, su obra sigue resultando reconocible de inmediato.
La colección de Leibovitz arranca con una fotografía en blanco y negro del helicóptero de Richard Nixon despegando del jardín de la Casa Blanca después de que el presidente renunciase a su cargo en 1974 y culmina en el retrato formal a color de la reina Isabel II, obtenido en el palacio de Buckingham en 2007. Entre uno y otro, son retratos que constituyen un álbum de familia de nuestra era: actores, bailarines, humoristas, músicos, artistas, escritores, creadores, periodistas, atletas, empresarios… El poder y la interpretación son temas recurrentes. El cuaderno que acompaña al libro incluye textos de la propia Annie Leibovitz, Graydon Carter, Hans Ulrich Obrist y Paul Roth, así como breves textos en los que se describe a los modelos de las más de 250 fotografías.
Edición de coleccionista disponible con cuatro sobrecubiertas distintas:
Whoopi Goldberg, Berkeley, California, 1984
Keith Haring, Nueva York, 1986
David Byrne, Los Ángeles, 1986
Patti Smith, Nueva Orleans, Luisiana, 1978
Edición limitada de 10.000 ejemplares numerados y firmados. Disponible en edición de coleccionista (nº 1.001-10.000) y edición de Arte (nº 1-1.000) con una lámina fotográfica de gran calidad autografiada por Annie Leibovitz y cuatro sobrecubiertas. Ambas ediciones incluyen un atril diseñado por Marc Newson. «Retratos de nuestro tiempo»
Puede leer la entrevista con Annie Leibovitz haciendo clic aquí. Sobre la fotógrafa:
Annie Leibovitz ha estado en activo como fotógrafa durante cuarenta años. Fue la fotógrafa jefe de Rolling Stone y después la primera fotógrafa colaboradora de la resurgida Vanity Fair. Además de sus trabajos editoriales en Vanity Fair y más tarde en Vogue, ha creado diversas campañas premiadas de publicidad. Ha sido designada una Leyenda Viva por la Biblioteca del Congreso de los EE UU, Washington.
Sobre los autores:
Steve Martin es un célebre humorista, actor, escritor y músico. En 2010 publicó la novela, Un objeto de belleza.
Graydon Carter es editor de Vanity Fair desde 1992.
Hans Ulrich Obrist es el Codirector de Exposiciones y Programas y Director de Proyectos Internacionales de la Serpentine Gallery, Londres.
Paul Roth es el director del Ryerson Image Centre en Toronto.
El poder y la gloria
Annie Leibovitz SUMO
The Chateau Marmont, in West Hollywood, provided the glamorous backdrop last February, as Vanity Fair, Leon Max, and Benedikt Taschen celebrated the launch of legendary photographer Annie Leibovitz’s new limited-edition, sumo-size book by Taschen, Annie Leibovitz, now Art Wanson Gallery, Marbella Club is proud to present it.
Una nueva estrella ha nacido en Abu Dhabi, Emiratos Arabes. // A new star is born in Abu Dhabi, UAE.
Budour AlAli, joven artista emirati, nos conmueve por la sensibilidad, la ternura y la delicadeza de sus pinturas que describen a la perfección la vida, la naturaleza y la cultura tradicional de su país sabiendo al mismo tiempo jugar astuciosamente con los colores intensos y brillantes.
Sus obras nos transmiten veracidad, potencia y elegancia.
Siempre atenta al mundo que la ha rodeado desde su infancia, es una detallista. Su talento innato ha sido reforzado por algunos cursos en The Royal College of Art in London y en London University Art.
Esta artista contemporánea se ha convertido en poco tiempo en una especialista del impresionismo y del realismo. Ha pintado, a pesar de su juventud, más de 20 retratos de la realeza de los Emiratos. Sus obras fotorrealistas como por ejemplo el retrato de Bu Khalid, Sheikh Mohammed Bin Zayed Al Nahyan son espectaculares de autenticidad.
Por todas sus cualidades artísticas, ha conseguido pintar también retratos de personas que generalmente no desean desvelar en público su imagen, a saber mujeres del mundo árabe.
Como los grandes, Budour AlAli se deja llevar humildemente por la pintura y se deja sorprender por donde la conduce.
Copyright © 2014 Art Wanson Gallery
©Foto de Budour AlAli – The National
Budour AlAli young Emirati artist, moves us by sensitivity, tenderness and delicacy of his paintings that describe a perfect life, nature and traditional culture of their country knowing while playing astutely with vivid colors and bright.
His works give us truth, power and elegance.
Always attentive to the world that has surrounded since childhood, is a retailer. His innate talent has been reinforced by some courses at The Royal College of Art in London and at London University Art.
The contemporary artist has quickly become a specialist of impressionism and realism. He has painted, despite his youth, more than 20 portraits of royalty in the Emirates. His photorealistic works such as the portrait of Bu Khalid Sheikh Mohammed Bin Zayed Al Nahyan of authenticity are spectacular.
For all its artistic qualities, has also managed to paint portraits of people who generally do not wish to disclose in its public image, namely women in the Arab world.
As the great painters, Budour AlAli humbly carried away by the painting and left surprised by where it leads.
Copyright © 2014 Art Wanson Gallery
Un pedacito de San Petersburgo en Madrid
Si hay alguna cita ineludible para estas navidades del 2011, si hay algo que todos los forofos de la cultura no pueden dejar de hacer y los no fororos también debería , es no desperdiciar la oportunidad de visitar El Hermitage de San Petersburgo ya que, solo por esta vez, no hará falta desplazarse a la fría Rusia sino que bastará con coger el metro e ir al Museo del Prado, ese Museo del Prado que con Zugaza a la cabeza no deja de sorprendernos con sus exposiciones temporales cada vez más ambiciosa e interesantes, cada vez de más calidad y en esta ocasión difícilmente superable.
Y es que reducir toda la Historia del Arte en poco más de 120 piezas y traérselas desde uno de los mayores museos del mundo, el mítico Hermitage, poco dado a préstamos y cesiones por cierto, es sin duda todo un logro. El caso contrario, lo mejor del Prado en San Petersburgo, también es sin duda un logro, un logro también conseguido por Zugaza el año pasado y que ahora recoge sus frutos dándonos a todos la oportunidad de disfrutar de esta fantástica muestra “El Hermitage en el Prado”.
La exposición, no tiene un pero, un repaso profundo a la Historia del Arte, no solo pictórico sino en todas sus disciplinas, desde antes de Cristo hasta el siglo XX, un viaje por el tiempo en que el que encontrase, o en el mejor de los casos reencontrase, con Tiziano, Caravaggio, Rembrandt, Durero, Brueghel, Ribera, Velázquez, Bernini…
Y cuando crees que ya has visto todo… un broche final de lujo, las salas dedicadas al XIX y al XX, en las que tampoco falta nada ni nadie, Picasso, Van Gogh, Cezanne, Monet, Renoir, Kandinsky y como colofón la oportunidad de ver, para irse con el mejor sabor de boca posible, uno de los lienzos más controvertidos de la Historia del Arte “Cuadrado Negro” de Malevich.
Simplemente no se puede pedir más, solo recomendar que nadie se la pierda, que aprovechéis las vacaciones para visitar una muestra realmente única, irrepetible, una exposición que por unos días, hará que el Prado sea, sin discusión ni debate, el museo de museos, el mejor museo del mundo.
España y Francia unidas por Givenchy.
La fortísima relación cultural que nos une con nuestros vecinos galos ha estado patente de manera constante a lo largo de la historia y en concreto en el mundo del arte. No han sido pocos los genios patrios que han encontrado en el país vecino lo que quizás el nuestro no era capaz de ofrecerles. Picasso, Buñuel, Dalí, Marsé…. no son pocos los nombres de artistas españoles que gracias a la gran acogida que les dieron en Francia consiguieron éxito y reconocimiento mundial, un reconocimiento que quizás en su tierra nunca hubiesen logrado….
Pero aquellos eran otros tiempos y hoy por hoy tanto España como Francia comparten, en igualdad de condiciones, una tradición artística y cultural reconocida mundialmente y son, ambos países, cantera de genios inigualables en prácticamente todas las ramas del arte.
Por ello nos alegra enormemente que el Consejo de Ministros haya concedido la “Orden de las Artes y las Letras de España” a un francés ilustre, un genio del arte y un pionero de la moda, Hubert Taffin de Givenchy. ¿Y porque? , pues por ser uno de los grandes diseñadores que pasaran a formar parte de la historia de la moda del siglo XX sin ninguna duda, por haber trabajado mano a mano con nombres tan importantes como Piguet o Schiaparelli y por convertirse en un gurú de la moda hollywoodiense de los años 50 tras el magnífico vestuario de la mítica “Desayuno con diamantes” en el que vistió a la aún más mítica Audrey Hepburn con aquel extraordinario vestido negro que se convirtió en un icono absoluto de elegancia.
Pero además de todo esto Givenchy ha sido uno de los mayores defensores de la moda española en el ámbito internacional gracias
a su infatigable y perseverante labor de difusión de la figura y la obra del maestro patrio Cristóbal Balenciaga, impulsando la creación de el Museo Balenciaga en Guetaria y constituyendo la Fundación Cristóbal Balenciaga de la que es Presidente Fundador y por si fuera poco no debemos olvidar que contribuyó decididamente a la creación del Museo del Traje de Madrid dando así un gran empuje a la moda española de ahora y elevando a histórica la moda española de antes y a sus grandes maestros, desde Fortuny a Pertegáz.
No nos quedaba por menos que agradecerle de alguna manera el ayudarnos a trasmitir al resto del mundo que España, al menos en el mundo de la moda, ha tenido y tiene aún mucho que decir….
El Pop-Art se ríe de la crisis.
Grecia esta al borde del abismo, el euro tambaleándose, la sombra de la ruina europea planea peligrosamente sobre nosotros y, de repente, el mundo del arte vuelve a recordarnos desde el otro lado del charco que sigue fuera de peligro, o al menos eso parece.
En cualquier caso la centenaria casa de subastas Christie’s no creo que tenga problemas en su balance anual tras haber realizado la semana pasada una venta histórica en su sede neoyorkina, adjudicando la obra titulada “I can see the whole room and there’s nobody in it!,” de Roy Lichtenstein por la friolera de más de 43 millones de dólares, 43 millones de dólares por una obra de arte, que no maestra, ni excesivamente relevante para el movimiento pop ni siquiera en la biografía del propio artista.
No obstante hay que reconocer que “I can see the whole room and there’s nobody in it!,” es una maravilla y un auténtico caramelito para los amantes del arte Pop, cuya demanda entre los grandes coleccionistas sigue siendo insaciable.
Realizada en 1961, es una obra precursora de lo que sería la inconfundible estética de Lichtenstein, quien con “I can see the whole room and there’s nobody in it!,” dio un contragolpe radical al arte predominante de aquella época en NY, el famoso y también muy demandado Expresionismo Abstracto Americano, un movimiento cargado de profundidad teórica y estética al que tanto Lichtenstein y sus demás colegas “Pops” se opusieron presentando aquellas obras llenas de esa banalidad irónica y esa estética popular con la que conseguirían crear uno de los movimientos artísticos más representativos del siglo XX.
Para muchos expertos estos dos movimientos, el Expresionismo Abstracto Americano y el Pop-Art , fueron los últimos grandes hitos de la historia del arte, y para el mercado del arte parece que también porque 43 millones de dólares en los tiempos que corren no se pagan por nada, pero ¿qué no se pagaría por un pedacito de historia?
Art Wanson Gallery 