El arte moderno y contemporáneo los preferidos de los coleccionistas
Las Galerías más prestigiosas como Art Wanson Gallery y las casas de subastas más relevantes internacionalmente como Sotheby’s, gracias a su experiencia y prestigio en el mundo del arte, saben que los coleccionistas se decantan por las obras de arte del periodo moderno y contemporáneo. Estas dos tendencias son las más demandadas por los amantes del arte.
Momentos de la historia del arte en que las tendencias y los diferentes estilos aparecen y desaparecen con gran rapidez. Experimentación, color, explosión, nuevas creaciones y descubrimientos.
Impresionismo, postimpresionismo, vanguardias, modernismo, postmodernismo…se antojan como influencias del arte actual.
Creación de aportaciones estilísticas novedosas, formas totalmente inéditas de entender el Arte. Las obras de arte se perciben como algo más que belleza y mímesis. Los artistas más geniales quieren experimentar con la materia y la disciplina, aportar novedades, transgredir, impactar y causar impacto. Las artes se fusionan con la vida para ofrecer obras llenas de energía y vitalidad que conmueven las sensibilidades para
ofrecer grandes experiencias artísticas al espectador.
Artistas con un lenguaje propio y característico que adoptaron ideas modernas de concebir el arte, como Amadeo Modigliani, Turner o Monet, son de los buscados entre los artistas del siglo XIX y principios del XX. Mientras como Wharhol, Bacon o Lucian Freud, creadores con un sello personal único, son valores seguros dentro del arte contemporáneo.
España con una larga y distinguida trayectoria artística, ha generado virtuosos pintores y escultores como Joaquín Sorolla, José Villegas Cordero, Picasso, Oscar Domínguez, Julio González, Joan Miró, Manolo Millares, Juan Muñoz o Antonio Tapies. Artífices muy queridos y reconocidos, los cuales muchos apasionados en la materia quieren poseer entre sus colecciones.
El arte contemporáneo está en alza entre los mejores coleccionistas internacionales, siendo el alemán Gerhard Richter uno de los artistas vivos más cotizados. Sus piezas abstractas y coloristas son requeridas por los más expertos entendidos en la materia, sin dejar a nadie indiferente.
La pintura sigue siendo la reina de las disciplinas artísticas, aunque le siguen de cerca la escultura, grabados o video arte, que cada vez tienen más aceptación entre coleccionistas y amantes del arte. No en vano, dos esculturas, Chariot de Giancometti y Tete de Modigliani alcanzaron los precios más altos de Sotheby’s.
En el mercado actual se pueden divisar varios perfiles de coleccionistas. Por un lado tenemos los coleccionistas de los países emergentes; rusos, asiáticos, latinoamericanos, etc. Que representan un motor decisivo dentro del mundo del arte. Por otra parte, otro perfil destacado de coleccionista, es el de coleccionista clásico, que posee una excelente colección de arte y busca piezas muy seleccionadas para poder completar su colección, nos comenta Aurora Zubillaga CEO de Sotheby’s.
Aunque para poseer una buena colección de arte todos los expertos en la materia aconsejan que lo mejor es dejarse llevar por la pasión antes que por la cotización. La pieza nos tiene que hacer vibrar y sentir esa comunión entre espíritu y obra.
Art Wanson Group especializados en gestión museística y asesoramiento artístico es el compañero ideal para coleccionistas y amantes del arte. Tanto como si deseas comenzar una nueva colección o ampliar una colección ya existente, Art Wanson Group cuenta con los mejores profesionales para el asesoramiento de adquisiciones de obras de arte y su ampliación, adaptando el arte a la sensibilidad de cada coleccionista.
Art Wanson Group también posee en su portafolio a los más destacados y sobresalientes artistas modernos y contemporáneos, abarcando todas las disciplinas artísticas.
Laura Ávila
Redactora para Wanson
Fuente:
© Sotheby’s
EL TOP TEN DE LAS OBRAS MÁS CARAS DEL 2014
En el 2014 no se ha conseguido batir ningún récord de precio por una obra de arte, quedando en séptimo lugar en el ranking de toda la historia.
La obra Chariot (1952) de Alberto Giacometti, fue la obra más cara del año. La preciosa escultura de una frágil mujer sustentada sobre dos ruedas de carro, alcanzó la suma de 90 millones de dólares. Este hecho es importante tenerlo en cuenta, ya que históricamente la pintura ha dominado las subastas y las preferencias de los coleccionistas.
Francis Bacon, Andy Wharhol, Amadeo Modigliani y Mark Rothko se erigen como los artistas más requeridos del mercado artístico, repitiendo en los últimos años en las listas del top ten de Christie’s y Shotheby’s. Reemplazando a artistas que hasta ahora eran habituales en el ranking como Picasso, Renoir o Van Gogh. Este hecho no quiere decir que los coleccionistas estén ya cansados de maestros impresionistas o modernos, sino que sus obras cada vez son más escasas en el mercado y los amantes del arte han adoptado nuevos favoritos.
La sorpresa en la clasificación la ofrecen dos artistas. Barnett Newman que con Black Fire I (1961) ha conseguido disparar su cotización vertiginosamente, convirtiéndose en uno de los artistas más caros y codiciados del panorama artístico. Por su parte, Cy Twombly también ha conseguido triplicar su valoración, a pesar de que su última retrospectiva se remonta a 2008/2009 cuando la Tate Modern, el Museo Guggenheim Bilbao y la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma realizaron exposiciones temporales de su obra.
Algo está cambiando en del mundo del arte y mutando en las preferencias de los coleccionistas. En el particular ranking de Shotheby’s Georgia O’keefe estableció un precio record para una artista femenina. Otras creadoras que consiguieron alcanzar una valiosa cotización en la venta de sus obras fueron Kay Sage y la artista contemporánea Vija Celmins. Estos datos colaboran a poner en relevancia la calidad de artistas mujeres.
Picasso, Bacon, Wharhol, Modigliani, Manet, Giacometti, etc. son algunos de los muchos artistas que Art Wanson Group posee en su portafolio dedicado a los Grandes Maestros. Como galería líder en el arte moderno y contemporáneo el coleccionista y amante del arte puede encontrar excepcionales obras de arte de los artistas más cotizados y más relevantes de los siglos XX y XXI.
Laura Àvila
Redactora para Wanson
Link de interés: http://www.artwansongallery.es/awg_grandes_maestros.html
Fuente:
©Sotheby’s
©Chritie’s
©ArtPrice
Nuevo espacio para el mercado del arte en Madrid
©AWG
El mercado del arte en Madrid tuvo un mayor desarrollo del año 2001 al 2008, pero después de una notable crisis, desde 2010 parece que ha ido resurgiendo gracias al aumento de profesionales dedicados a este sector.
En la actualidad, los tipos de interés son muy bajos, por lo que hay cierta inflación de los activos. Esto ha llevado a que la gente prefiera adquirir obras de arte en vez de depositar su dinero en el banco porque como alternativa es mucho mas rentable. Nos encontramos por tanto con un mapa muy efectivo para los coleccionistas, donde estos son cada vez más variados.
¿Hay tendencias? Más que tendencias hay una escena artística cosmopolita en la que los artistas gozan de una expresión sin precedentes. Existe un intercambio constante de información y por tanto se ofrece la posibilidad de disfrutar de una gran energía creativa. Valores seguros en el mercado del arte, siguen siendo los grandes pintores del SXX que se exhiben en los principales museos del mundo como Sorolla, Picasso, Miró…
En ocasiones, algunos medios de comunicación refuerzan una imagen elitista, publicando únicamente los precios más elevados alcanzados en las subastas de mercados internacionales, lo que agudiza la percepción de que el mercado del arte está fuera del alcance de la mayoría. El problema está en que deberíamos equiparar el arte a la cultura, y en España el arte está equiparado a un bien sólo permitido para algunos. Si el arte se considera como cultura, habrá que contribuir a su desarrollo y proporcionarle apoyo público.
El prestigio internacional del arte en la capital española, suele ir asociado a una mejora de los beneficios. El arte puede ser un potente imán para los turistas y a esto contribuyen las numerosas
ferias con sede en Madrid, que siguen siendo fundamentalmente para este negocio un instrumento decisivo de internacionalización. Arco cobra especial protagonismo convirtiendo Madrid en el centro de atención de todos los profesionales de este sector , pero no podemos olvidar otras como: Art Madrid, Just Mad, Faim Art, Casa Arte, Dearte, Flecha, etc… . El tiempo muestra que las que tienen calidad sobreviven mientras que otras desaparecen. Este año, la Feria Arco, tendrá indicadores que evidencian una mayor confianza en el mercado del arte español: ha habido más solicitudes de galerías y han mantenido el mismo número, así como espacios más grandes, con apuestas arriesgadas,… luego se intuye una mayor calidad.
El éxito para el coleccionista será comprar lo mejor de cada artista y sabremos qué es lo mejor de cada uno investigando sobre su obra e informándonos. Para una buena adquisición de arte es necesario un gusto artístico definido o dejarse asesorar, ilusión, coherencia en la colección, tiempo (visitas a museos, ferias, galerías, subastas y profundizar en lecturas especializadas ).
¿Qué hacer ante los errores en la compra? venderlas para cambiarlas por otras y seguir avanzando.
Hoy en día los inversores son más sofisticados y con mayor conocimiento gracias a las herramientas on line con gran calidad de información.
En este contexto artístico, y en el mismo marco cronológico que situamos a Arco y las otras ferias de Madrid, Art Wanson Gallery entra a formar parte de una oferta cultural más, con el evento de clausura de su exposición «The sound of art» que tendrá lugar en el palacete sede de la Fundación Pons en la C/Serrano n.138, el martes 24 de febrero a las 20:00h, víspera de la inauguración de la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid.
Patricia Verdú Ibáñez
Consultora de arte
Responsable área Madrid y Mallorca para Wanson
Comisaria de la exposición «The sound of art»
©AWG
Identificar, innovar y transformar a través de las artes
La globalización ha derivado en un cambio de escenarios, ha generado una nueva clientela y ha modificado la forma de consumir el arte.
Si por un momento visualizamos en nuestra mente El dormitorio en Arles de Van Gogh, son muchas las imágenes e interpretaciones que abarrotarán nuestra mente. Iremos desde el colorido, pasando por los muebles hasta las sensaciones que nos despierta el cuadro. Sin embargo, la elección de esta obra no se fundamenta en su análisis exhaustivo sino, más bien, en que su composición puede asemejarse al mundo del arte. Al igual que en el cuadro cada mueble se encuentra en el lugar que le corresponde, en el mundo del arte cada cual ocupa su lugar.
El suponer que cada actor, ya sea museo, coleccionista o galería, ocupa un lugar determinado, da lugar forzosamente a un inmovilismo atroz. No se trata de reinventar el arte sino de reinventarnos nosotros para acabar con esas barreras. Si el arte no conoce fronteras, por qué debería conocerlas el sector. Estas líneas, lejos de propugnar la invasión de esferas o de iniciar una guerra de competencias, lo que reivindican es la colaboración entre los diferentes actores que componen este mundo. La construcción de puentes que beneficien a todos, es imprescindible en un mercado cambiante cómo en el que nos encontramos.
En el momento actual, podemos considerar que tenemos la oportunidad o la necesidad de detenernos para reflexionar hacia dónde va el sector y cuáles son los objetivos que debemos marcar a corto y a largo plazo. Al comparar el mercado con el sector, observamos que la evolución del primero ha sido mucho más rápida que la del segundo.
Por consiguiente, no sería erróneo afirmar que en la mayoría de las ocasiones el mercado le ha ganado terreno al sector. La globalización ha derivado en un cambio de escenarios, ha generado una nueva clientela y ha modificado la forma de consumir el arte. Esta última consecuencia, se ha visto influenciada a su vez por la situación económica.
Al recorrer las diferentes esferas que configuran el sector, la tendencia principal en el mundo del coleccionismo es un cambio de escenario. El viejo continente ha dado paso al nuevo, que a su vez ha perdido terreno frente a los mercados asiático, ruso y árabe. A día de hoy hablamos también del mercado hindú y africano.
Este cambio de escenarios, así como la crisis económica en el viejo continente, ha propiciado la aparición de nuevos coleccionistas. Independientemente del perfil del coleccionista, esta esfera del conjunto global al que hemos llamado sector del arte, goza de una salud envidiable habiendo conseguido unos resultados que evidencian su buen estado.
Por el contrario las galerías de arte, sobre todo en España, se han erigido sin duda como la pieza más débil del engranaje teniendo un margen de maniobra escaso. Su capacidad de reacción viene condicionada por la clientela fija y la proyección internacional.
En un escaño superior, y no a mucha distancia, encontramos los museos. La idiosincrasia de estos es compleja. Conscientes de la situación en la que se encontraban han tenido que elegir modelos de gestión diferentes, con el objetivo de no llegar a los números rojos. Sin embargo, el pasar de un modelo a otro no ha sido suficiente y seguimos viendo como los museos están atravesando un momento complicado. A esta situación hay que sumarle una mayor competencia y los llamados museos «franquicia».
La situación actual me lleva a reafirmarme en la imperiosa necesidad de crear sinergias, siendo este el empujón que necesita el mundo del arte. Una de las características principales del arte es su capacidad de entusiasmar. De ahí que nuestro éxito dependa de nuestra capacidad para captar la atención del público ya fidelizado, pero sobre todo de aquel que nunca antes se ha adentrado en el mundo del arte.
Estas sinergias a las que me refiero van más allá del mero sector del arte, al incorporar el sector público y privado. No sólo de pan vive el hombre, por lo que la participación del sector público no debe restringirse a las ayudas directas que pueda conceder. Si bien éstas son importantes, también lo es la creación de un marco adecuado que apoye al sector y le permita crecer. Del mismo modo, el sector privado tiene un rol importante y en muchas ocasiones clave.
Volviendo al símil utilizado con la pintura de Van Gogh. Cabe recordar que tanto impresionistas como postimpresionistas representaron una ruptura de los conceptos dominantes de la época. Al igual que la pintura racional quedó postergada a un segundo plano, las formas convencionales deben dar paso a una nueva forma de entender y vivir el arte.
Mercedes Duerinckx
CEO
Art Wanson Group
EL ARTE CAPEA EL TEMPORAL
El 2012 ha trascurrido de sobresalto en sobresalto, nos hemos levantado pendientes, día a día, de conceptos que nunca antes habían estado siquiera presentes en nuestras vidas. Los rescates, las primas de riesgo, los mercados, han formado parte de una más de nuestras preocupaciones veraniegas, si no la más de ellas en algunos casos, y por desgracia parece que no van a dejar de preocuparnos en mucho tiempo.
La crisis no parece acabar nunca y la necesidad de asegurar el dinero, sobre todo las grandes fortunas, hace que, entre todos los malignos mercados que parecen tener nuestro destino en sus manos, el mercado del arte se convierta en una balsa en la tormenta. No es la primera vez que el mercado del arte parece mantenerse a flote en la mayor de las adversidades, el hombre es un animal de costumbre, sobre todo de costumbres que le han funcionado y ahora parece estar repitiendo lo que ya funcionó en la crisis de 1987.
En 1987 y hasta 1991 el mercado del arte se convirtió en un “valor refugio”. Ante el desastre económico que ya vivió occidente durante esos años, los inversores comenzaron a mirar al mercado del arte como esa balsa en la tormenta y las casas de subastas vivieron su lustro glorioso en el que los records se batían con una facilidad pasmosa, los grandes maestros alcanzaban precios astronómicos, las galerías de arte encontraban un nuevo mercado con pequeños coleccionistas, mientras que muchas jóvenes promesas hicieron su agosto. La gente confiaba en el arte , el arte se vendía y el arte generaba dinero a todas las escalas.
En 2009 muchos inversores recordaron aquella “fiebre del arte” de finales de los 80 que tantos pingues beneficios les había dado y el mercado del arte volvió a dar titulares más que frecuentes de adquisiciones y pujas millonarias, pero esta vez parece que la balsa del arte es muy pequeña y la tormenta mucho más grande que en 87.
No hay duda de que las grandes adquisiciones no se han visto mermadas por la crisis es más, gracias a la crisis y la necesidad de liquidez de algunos coleccionistas importantes hemos podido ver en mercado obras maestras que seguramente en otra situación no habrían visto la luz pública, como el famoso caso de “La esclusa” de Constable puesto en mercado por la baronesa Thyssen y vendido por la nada desdeñable cifra de 35 millones de euros.
Si nos remitimos a los titulares el mercado del arte va viento en popa. Durante los años
que ya va durando la crisis y mientras la economía de naciones enteras se iba a pique hemos podido ser testigos de ventas millonarias y records constantes en el mercado del arte; “El grito” de Munch fue vendido por más de 90 millones de euros, “Un au Plateau de Sculpture” de Picasso superó los 100 millones de dólares y “L’homme qui marche” de Giacometti alcanzó en subasta la increíble cantidad de 104 millones de dólares. De hecho 5 de las 10 obras de arte más caras de la historia han sido vendidas durante estos años y mientras el mercado global ha bajado un 1% el mercado del arte ha subido más de un 15% .
Sin duda estas grandes subastas realizadas generalmente por las dos históricas casas de subastas, Sothebys y Christie’s, han ayudado enormemente a que el mercado del arte no solo siga a flote sino que parezca ir viento en popa. Pero aparte de las grandes subastas hay otros dos factores fundamentales que han sustentado este enorme crecimiento.
En primer lugar el mercado del arte no solo se alimenta de las subastas, sino que las operaciones entre particulares, acordadas en privado y alejadas de los circos mediáticos que generan las subasta, han tenido en estos años un auge asombroso y las cifras que se mueven en estas operaciones privadas también alcanzan cantidades astronómicas, como el caso de los 250 millones de dólares pagados por “Les Joeurs de cartes” de Cezzane, la única versión del lienzo que aún se conservaba en manos privadas y que ahora parece que estará custodiado en algún palacio qatarí, ya que a pesar de los pocos datos confirmados de esta venta todo apunta a que la familia real de Qatar ha tenido mucho que ver en esta multimillonaria adquisición.
Y es que durante estos años de crisis y aunque sea incomprensible para el común de los mortales, el numero de millonarios a crecido en un 0,8 por cierto. Obviamente no todos estos millonarios acuden al mercado del arte para proteger sus fortunas, pero en un momento en el que los beneficios en otra clase de inversiones son nulos o muy bajos , el arte vuelve a estar en auge por su condición de valor seguro lo que ha provocado que el número de grandes coleccionistas este creciendo indiscutiblemente y con ellos las operaciones millonarias, lo que ayuda considerablemente a que el mercado del arte no se vea arrastrado por la crisis.
Pero sin duda uno de los factores que más esta ayudando a que la maquinaria
del arte siga funcionando es el motor Chino. Tras el despertar al capitalismo del gigante asiático, los millonarios chinos se han multiplicado y han entrado en el mundo del arte con mucha fuerza, sobre todo a la hora pujar y más aún cuando la puja es por piezas de compatriotas. De este modo los artistas chinos se han situado en el ranking de las grandes adquisiciones y sus piezas han alcanzado precios inimaginables hace apenas unos años, como por ejemplo el pintor chino Qi Baishi , convertido en el artista chino más cotizado de la historia tras vender “Águila sobre un pino” por más de 64 millones de dólares.
Pero el empuje asiático en tiempos difíciles tampoco es nuevo, en la crisis de 1987 también fue otra potencia asiática la que ayudado enormemente al crecimiento del sector, Japón. A finales de los ochenta el yen japonés se convirtió en una moneda mas que solvente y los coleccionistas japoneses se lanzaron a las compras millonarias de arte, un claro ejemplo de esta fiebre nipona por el arte lo encontramos en el empresario japonés Ryoei Saito quien en apenas unos meses realizo dos adquisiciones históricas y millonarias, “Retrato del Dr. Gachet” de Vincent Van Gogh por la que pagó 82,5 millones de dólares, y “Le Moulin de la Galette” de Renoir, adjudicada por 78,1 millones de dólares.
Remitiéndonos a los datos esta claro que el mercado del arte esta reaccionando prácticamente igual que en la anterior crisis económica, pero como ya apuntábamos anteriormente esta vez no parece que la tormenta vaya aclarar tan pronto y aunque el mercado del arte a más alto nivel no se esta viendo mermado, incluso esta saliendo fortalecido, en las bases de la maquinaria artística las cosas no van también, especialmente en España donde jóvenes artistas y pequeñas galerías se encuentran muy alejados de las cifras millonarias de las grandes subastas y dada las escasísimas políticas de promoción cultural y el delicado estado de las economías de los pequeños coleccionistas, muchas de estas galerías se ven obligadas a cerrar y las nuevas promesas del arte se quedan sin recursos.
No obstante no hay que perder la esperanza, que las altas esferas del mercado del arte estén capeando la crisis con tan buenos resultados favorece en todo punto al mundo del arte en general, generan noticia, generan interés por el arte y demuestran a grandes y pequeños inversores que cuando todo se tambalea, una obra maestra siempre es y será un valor seguro.
Marta de Orbe
El Pop-Art se ríe de la crisis.
Grecia esta al borde del abismo, el euro tambaleándose, la sombra de la ruina europea planea peligrosamente sobre nosotros y, de repente, el mundo del arte vuelve a recordarnos desde el otro lado del charco que sigue fuera de peligro, o al menos eso parece.
En cualquier caso la centenaria casa de subastas Christie’s no creo que tenga problemas en su balance anual tras haber realizado la semana pasada una venta histórica en su sede neoyorkina, adjudicando la obra titulada “I can see the whole room and there’s nobody in it!,” de Roy Lichtenstein por la friolera de más de 43 millones de dólares, 43 millones de dólares por una obra de arte, que no maestra, ni excesivamente relevante para el movimiento pop ni siquiera en la biografía del propio artista.
No obstante hay que reconocer que “I can see the whole room and there’s nobody in it!,” es una maravilla y un auténtico caramelito para los amantes del arte Pop, cuya demanda entre los grandes coleccionistas sigue siendo insaciable.
Realizada en 1961, es una obra precursora de lo que sería la inconfundible estética de Lichtenstein, quien con “I can see the whole room and there’s nobody in it!,” dio un contragolpe radical al arte predominante de aquella época en NY, el famoso y también muy demandado Expresionismo Abstracto Americano, un movimiento cargado de profundidad teórica y estética al que tanto Lichtenstein y sus demás colegas “Pops” se opusieron presentando aquellas obras llenas de esa banalidad irónica y esa estética popular con la que conseguirían crear uno de los movimientos artísticos más representativos del siglo XX.
Para muchos expertos estos dos movimientos, el Expresionismo Abstracto Americano y el Pop-Art , fueron los últimos grandes hitos de la historia del arte, y para el mercado del arte parece que también porque 43 millones de dólares en los tiempos que corren no se pagan por nada, pero ¿qué no se pagaría por un pedacito de historia?
El Thyssen abre sus puertas a la moda con la obra de Mario Testino
El binomio moda&arte se confirmará definitivamente cuando el próximo 21 de septiembre el Thyssen abra las puertas de su exposición temporal de otoño, una de las más importantes del año, a uno de los fotógrafos más relevantes, carismáticos y pronto históricos del mundo de la moda, el peruano Mario Testino.
Para los seguidores de la moda Testino no necesita presentación y tras su exposición en el Thyssen tampoco la necesitará para los amantes del arte.
La sala de exposiciones temporales del Thyssen acogerá y transformará en obras de arte a las “Mujeres Testino”, las mujeres impactantes, fuertes y extremas en las que Testino ha convertido a cada una de sus modelos, desde la princesa Diana hasta Lady Gaga Testino ha conseguido captar lo más sofisticado, lo más sugerente y lo más visceral de cada una de las féminas que han tenido la suerte de captar la atención de su objetivo, el objetivo de uno de los grandes popes de la moda y el glamour.
Como todas estas afortunadas mujeres el Thyssen ha caído rendido a los pies de Testino y de la moda y por primera vez en España dedica una completa muestra, “Todo o Nada”, a un fotógrafo de moda, las expectativas no pueden estar más altas, esperamos que no nos defrauden.
Marta de Orbe
De Blik fashion experience: La exclusividad elevada a su máxima potencia
¿Qué es el lujo? Hay quien piensa que es tan sólo una forma de consumo exhibicionista al alcance de unos pocos privilegiados. Por suerte acaba de nacer una nueva empresa que responde a esta pregunta con un estilo de vida diferente, basado en la idea de la máxima exclusividad. Para De Blik fashion expererience el lujo debe representar la posibilidad de acceder a un mundo nuevo, donde el consumo es tan sólo la consecuencia final de una serie de experiencias únicas dirigidas a convertir en realidad los sueños de aquellas mujeres que buscan en su vida la máxima sofisticación.
¿Alguna vez habías imaginado que sería posible conocer al diseñador que inspira tu estilo, ir a desfiles de moda, tener acceso a vestidos y accesorios que no llegan al circuito comercial habitual, entrar en los talleres de costura y joyería para vivir en primera persona la experiencia del glamour? En De Blik la moda es su combustible más preciado, con ellos harás realidad todas tus fantasías, entrarás en lugares que creías vetados, hablarás con los maestros del estilo y experimentarás cómo se forjan las creaciones de moda más exquisitas.
Sus diversos viajes, encuentros y eventos, aunque tienen el mundo de la moda como eje central de sus acciones, se conjugan con un sinfín de servicios añadidos: desde la posibilidad de acceder a los últimos productos y tratamientos de belleza de la mano de los mejores profesionales del sector, pasando por los palcos más exclusivos de grandes torneos deportivos, reservados VIP en los clubs de moda o incluso una cena en el mejor restaurante con un menú pensado y preparado en exclusiva para las clientas de De Blik. Con ellos no hay límites, sólo piensan en satisfacer tus deseos más exiquisitos.
Y como De Blik debe ser siempre una experiencia única, confortable y sofisticada, cada uno de sus viajes, acciones, eventos y encuentros están pensados y producidos al milímetro. Alojarse en los mejores hoteles con un trato nunca antes imaginado, desplazarse en las berlinas más elegantes, viajar en aviones privados, comer en los restaurantes que forman parte de la mejor gastronomía… Siempre con un trato exclusivo que les diferencia, porque en De Blik quieren ir más allá, poner a tu disposición los mejores servicios, pero de una forma relajada, sin encorsetamientos, sin presiones: solo tienes que sentarte y disfrutar, del resto se encargan ellos.
Alex Carrasco
Un verano lleno de arte III. Antoni Miralda en el Palacio de Velázquez
Si tras Turner y Ghirlandaio necesitáis un poco de modernidad no os podéis perder una de las exposiciones más interesantes que el Reina Sofía ha organizado últimamente, “De gustibus non disputandum” una intensa retrospectiva sobre la obra del artista catalán Antoni Miralda.
Además la muestra no se ubica en el mismo museo sino en uno de sus espacios expositivos más emblemáticos y que desgraciadamente ha estado cerrado durante cinco años, el Palacio de Velazquez del Parque del Retiro, un edificio peculiar y mítico que tras años en remodelación nos presenta con la cara lavada una de las exposiciones más divertidas del verano.
“De gustibus non disputandum” nos presenta lo mejor del trabajo del revolucionario Miralda, desde sus primeras obras de los años setenta en las que ya planteaba una profunda reflexión sobre temas tan actuales como el mercado del arte, el arte como objeto de consumo, o la “costumización” de objetos, hasta sus obras más actuales en las que la comida, el ritual de comer y el significado de los alimentos en distintos lugares y culturas se han convertido en el hilo conductor de sus últimos grandes proyectos como “Stomak Digital”.
Piezas impactantes, estridentes, llenas de color y en una maxi escala, invaden el Palacio de Velázquez durante este verano dejándonos zambullirnos en el universo creativo de uno de los artistas más interesantes e irreverentes de nuestro país. Un paseo por las obsesiones y gustos de Miralda que harán las delicias de los amantes del arte contemporáneo, con piezas impactantes y desconcertantes pero llenas de sentido y de mensaje.
Una maravilla de exposición, diferente, divertida y a su vez reflexiva, un broche perfecto a un refrescante paseo por el Parque del Retiro.
Marta de Orbe
¿ Un Velazquez “enterrado” en Yale?
Enterrado,prácticamente abandonado y en un pésimo estado de conservación, así es como ha pasado más de cien años el que seguramente sea uno de los grandes descubrimientos del año para el mundo del arte.
Hace unos meses la Universidad de Yale comenzó unas obras de remodelación y cual fue su sorpresa cuando al limpiar los sótanos de la institución John Marciari, conservador jefe de arte europeo del Museo de Bellas Artes de San Diego, descubrió lo que con bastante probabilidad pueda ser un Velazquez, pero no un Velazquez cualquiera sino una de las pocas obras que se conservan de la etapa inicial del gran pintor español en Sevilla, “La educación de la Virgen”.
Es inexplicable como nada menos que un Velazquez haya podido estar sepultado en los sótanos de una institución americana casi un siglo, pero Marciari, tras arduas investigaciones para verificar la autoría del cuadro y la historia del mismo, parece haber dado con la clave…
En 1925 dos alumnos de Yale, Henry Hotchkins y Rayschard Towsnshed, hijos de un marino mercante que realizó numerosos viajes por el Mediterráneo, heredaron una gran mansión neogótica en la que probablemente se encontraba el lienzo y en 1929 decidieron donarlo a Yale, seguramente desconociendo el incalculable valor de la pieza y por supuesto su autoría. La universidad de Yale tampoco le debió de dar mucha importancia puesto que no lo inventarió hasta 1959, treinta años después.
Ahora, más de sesenta años después, el azar ha hecho que este magnífico lienzo, que sin duda pertenece a la escuela sevillana, vuelva a salir a la luz con muchísimas probabilidades de que se trate de un auténtico Velazquez.
Los expertos están asombrados puesto que todo apunta a que efectivamente se trata de una obra primeriza del gran genio de la pintura española, pero en esto la última palabra la tiene el Museo del Prado, que ya se ha puesto manos a la obra y en esperemos poco tiempo pueda confirmar uno de los hallazgos más importantes para el mundo del arte de las últimas décadas.
Marta de Orbe
Art Wanson Gallery 
