New York, the global capital of art… and the art market
New York’s attraction for the art world has no comparison anywhere in the world. The Western capital of art since the 1950s, the Big Apple remains a major magnet for all things cultural (it is home to approximately 100,000 artists), with museum programming sometimes as daring and forward-looking as that proposed by its art galleries.
Aside from the mass of emblematic works in the extensive collections of the MET, the MoMA and the Whitney Museum, American museums are also genuine laboratories, spaces for experimentation, forever engaged in a dialogue with creative processes; in fact, as museums, they often play a particularly non-museum role. This year, for example, we have seen the Icelandic singer Björk at the MoMA, the Whitney inaugurate its new premises with an exhibition of 400 American artists (May 2015, America is hard to see), and the Metropolitan Museum open its Photography Department with a selection of works by Piotr UKLANSKI.
Downtown, the New Museum, with its unmistakable dynamic architecture, is a space open to workshops, discussion panels, poetry and performance, in addition to the emerging art scene. A short distance away, the Drawing Art Center is also a major platform for exchanges between young artists focused on drawing. Alongside the continually expanding permanent collections, New York’s museums and art centers are thus intimately connected to contemporary creation. Nowadays, this creative energy has spread to Brooklyn where an innovative art center has recently opened: Pioneerworks, a multidisciplinary art and technology laboratory where artists in residence exchange ideas with scientists, creating new synergies between the two worlds. The additional visibility offered to artists by Pioneerworks (and the other art centers) acts as an important springboard for artists trying to capture the attention of the city’s well-established art galleries.
Where are the galleries?
New York’s artistic productivity would not be what it is today without the impressive diversity of its art galleries. There are approximately 1,500 galleries in the main streets of Soho, Tribeca, Chelsea, the Village, the Lower East Side, 57th Street, but also in Brooklyn and Queens.
New York’s most powerful gallery, that of Larry Gagosian, hosts a continual series of events. With giant exhibition spaces and a highly developed New York network, the Gagosian was able to program as many as five exhibitions for the months of March and April alone. Two of them – focused on artists’ studios – brought together a number of emblematic signatures including James ENSOR, Diego RIVERA, Henri MATISSE, Pablo PICASSO, Jim DINE, Jasper JOHNS, Roy LICHTENSTEIN, Robert RAUSCHENBERG, Constantin BRANCUSI, André KERTÉSZ, Eadweard MUYBRIDGE and BRASSAÏ. Organized like a museum event, not everything was for sale in this exhibition. In September, the Gagosian will be hosting shows by Richard SERRA and Franz WEST in its New York galleries.
To the west of Manhattan, along the Hudson River, the Chelsea neighborhood is home to the most prestigious galleries. Larry Gagosian’s neighbors are the Pace Gallery (which has four spaces in New York), Cheim & Read, Paul Kasmin, Tanya Bonakdar and Barbara Gladstone. These major galleries are not afraid of stepping outside the conventional scope of American creation to showcase emerging artists from other parts of the world.
Elsewhere, new galleries are actively contributing to the artistic emergence of Manhattan’s Lower East Side, long neglected in favor of Chelsea and Soho. In the 1990s, Soho had some 300 art galleries and Chelsea more than 200, all oriented towards Contemporary art. Nowadays, it is increasingly difficult for galleries to survive in these districts because of soaring property prices (some have seen rents double in a few years). The result has been a migration to the less expensive LES (Lower East Side) where around fifty forward-looking galleries have already established themselves. The latest gallery to open there was that of Richard Taittinger (grandson of the founder of the eponymous champagne company) at the beginning of March 2015. Richard Taittinger strategically inaugurated his first exhibition during the Armory Show, presenting the Chinese artist DING Yi whose best works fetch between $500,000 and $2 million in Beijing and Hong Kong auction rooms. He was relatively unknown in New York…
While some New Yorkers collectors still refuse to go downtown, the distinction between ‘uptown’ and ‘downtown’ will no doubt gradually disappear, especially after the Andy WARHOL Foundation in Pittsburgh (Pennsylvania) chose the LES for the first New York museum dedicated to America’s most famous artist. In fact, New York is in a perpetual state of transformation.
New York is also the heart of the art market’s ultra-high end, with 46 works fetching above the $10 million threshold in Manhattan during the first half 2015, i.e. more than half of the total number recorded worldwide …
Source: source © artprice.com site
DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS 2015
El día 18 de mayo se celebrará el Día Internacional de los Museos. Un evento muy especial en el que los museos y su público son los protagonistas.
El Día Internacional de los Museos se creó por Consejo Internacional de Museos (ICOM en 1977. El propósito era sensibilizar al público sobre el papel de los museos en el desarrollo de la sociedad, y desde entonces la popularidad del evento no ha dejado de crecer. En 2013 el Día Internacional de los Museos alcanzó una cifra récord de participación: más de 35 000 museos en unos 145 países.
El objetivo del Día Internacional de los Museos es sensibilizar al público sobre el hecho de que “Los museos son un medio importante para los intercambios culturales, el enriquecimiento de culturas, el avance del entendimiento mutuo, la cooperación y la paz entre los pueblos”, valores y mensaje que comparte y difunde Art Wanson Group a través de la educación, colaboración entre las distintas instituciones y agentes creativos e innovadores.
El lema de este año es Museos para una sociedad sostenible y pone de manifiesto el papel que juegan los museos a la hora de sensibilizar al público sobre la necesidad de una sociedad menos derrochadora, más solidaria y que utilice los recursos de una manera más respetuosa con los sistemas biológicos.
A partir de una serie de actividades como pueden ser entrada gratis o visitas guiadas gratuitas,
jornada de puertas abiertas, ampliación de horario de apertura o apertura nocturna, visitas a los almacenes del museo o a colecciones que son parte de investigaciones académicas, descubrimiento de colecciones de arte recién restauradas, exposiciones, actividades, conferencias o visitas guiadas en torno al tema del Día Internacional de los Museos, inauguraciones, apertura de nuevas salas, actividades culturales especiales: conciertos, teatro, espectáculos de baile, representaciones artísticas, proyecciones de películas, visitas insólitas al museo, actividades basadas en la interactividad, por ejemplo a través de las redes sociales o de visitas virtuales.
Un sin fin de propuestas que cada Museo adapta a su perfil para ofrecer una variada oferta cultural haciendo que resulte un día mágico donde disfrutar del arte, la cultura y el intercambio de ideas.
Art Wanson Group se siente sumamente orgulloso y complacido de que Andalucía se encuentre reconocida como un referente cultural internacional, ampliando su ya magnífica oferta artística, con proyectos tan fascinantes como la inauguración del Museo Centre Pompidou y el Museo Estatal Ruso en Málaga.
Laura Ávila
Redactora para Wanson
Fuente:
http://network.icom.museum/fileadmin/user_upload/minisites/imd/Kit/IMD2015_Museos_kit_ESP.pdf
Objetos de cerámica dan a conocer relatos antiguos de los primeros pueblos de América Central
Objetos de cerámica dan a conocer relatos antiguos de los primeros pueblos de América Central
Se examinan representaciones reveladoras de legados indígenas en piezas clave de la vasta colección del Museo del Smithsonian
El Centro George Gustav Heye del Museo Nacional del Indígena Americano en Nueva York y el Smithsonian Latino Center presentan «Cerámica de los Ancestros: revelación del pasado de América Central», una importante exhibición bilingüe que hace su debut en Nueva York después de haberse presentado inicialmente en Washington, D.C. La exhibición se inaugura el sábado 18 de abril y continúa hasta enero de 2017 en la Galería Oeste del museo.
«Cerámica de los Ancestros» ofrece un acceso cercano a piezas selectas de una de las colecciones más importantes y pocas veces vistas en el mundo de aproximadamente 12,000 objetos antiguos de cerámica provenientes de América. A lo largo de un período de dos años de investigación, se escogieron 155 piezas para esclarecer las complejidades de los primeros pueblos de América Central y las sociedades que estos desarrollaron. Las piezas de cerámica, que datan del año 1000 a. de C. y que estas diversas comunidades dejaron más allá del milenio, combinadas con recientes descubrimientos arqueológicos, ayudan a contar las historias de las culturas antiguas y sus innumerables logros. En la exhibición, se examinan siete regiones (Río Ulúa, Maya, Río Lempa, Gran Nicoya, Caribe Central, Gran Chiriquí y Gran Coclé), que representan distintas áreas culturales de América Central que actualmente son parte de Belice, Costa Rica, El Salvador, Guatemala, Honduras, Nicaragua y Panamá.
El debut inicial de la exhibición fue el resultado de más de dos años de investigación en las colecciones de cerámica de América Central del museo patrocinadas por el Smithsonian Latino Center. La curadora, Ann McMullen, y el curador invitado, Alexander Villa Benitez, de la Universidad George Mason identificaron objetos regionales clave de la colección y aumentaron esta selección con ejemplos significativos de trabajo realizado en oro, jade, cobre, mármol, conchas y piedras.
La exhibición está acompañada por la publicación histórica Revealing Ancestral Central America (Revelación de la América Central de los ancestros), editada por Rosemary A. Joyce y disponible gratis en formato digital. Además, el sitio web interactivo incluye imágenes tridimensionales de objetos selectos, junto con un libro de actividades bilingüe para niños y una guía para la familia. Un calendario completo de programas educativos y públicos incluirá demostraciones prácticas, películas y programación extendida mientras dure la exhibición.
El Museo Nacional del Indígena Americano está ubicado en el parque One Bowling Green en la ciudad de Nueva York, frente a Battery Park. La entrada al museo es gratuita y está abierto todos los días de 10 a. m. a 5 p. m., y los jueves hasta las 8 p. m. (cerrado el 25 de diciembre). El sitio web del museo es www.AmericanIndian.si.edu.
FUENTE:
Smithsonian National Museum of the American Indian
Web Site: http://www.americanindian.si.edu
MÁLAGA, UNA CIUDAD CON MUCHO ARTE
La ciudad de Málaga se ha reinventado, apostando por el arte y la cultura, se ha convertido en un atractivo foco cultural mediante diseños artísticos muy interesantes e innovadores.
Con una oferta cultural muy extensa, hay propuestas para todos los gustos. Desde la Térmica, un nuevo espacio de creación y producción cultural, el proyecto Maus que convierte a las calles en el lienzo de creación de los artistas, de manera que la urbe se convierte en una galería al aire libre, hasta propuestas más convencionales como el Museo Estatal Ruso o el ansiado Centre Pompidou.
© Centre Pompidou Malaga
El Museo Centre Pompidou permite un sugestivo recorrido del arte de los siglos XX y XXI, La violación (1945), de René Magritte, retrato de una mujer rubia cuyos rasgos son un cuerpo femenino; el Autorretrato que en 1971 firmó Francis Bacon, o la estilizada Mujer desnuda de pie (1945), de Giacometti, son algunas de las gemas de la colección permanente, que contará con cerca de 90 obras procedentes de París.
©El logo del Museo Ruso de Málaga
Por su parte, el Museo Estatal Ruso nos ofrece un fascinante recorrido por el desconocido arte ruso.
Málaga, ciudad natal de Picasso, sitúa la cultura y los museos en el centro de una nueva etapa de su desarrollo. La ciudad basa su dinamismo actual en la creación e implantación de eventos culturales y de instituciones museísticas de referencia. Málaga cuenta con una oferta muy rica que la convierte en la tercera ciudad del país, después de Madrid y Barcelona, en lo que a oferta cultural se refiere.
No hay que olvidar que además de estas nuevas referencias museísticas y propuestas artísticas, Málaga ya cuenta con Museos de relevancia
© Museo Carmen Thyssen Málaga
internacional como el Museo Picasso de Málaga, el renovado Museo de Arte Contemporáneo o el Museo Carmen Thyssen.
Andalucía también cuenta con destacadas galerías y centros de arte. Art Wanson Gallery galería de referencia y líder en su sector cuenta con una amplia exposición y colección de artistas del siglo XX y XXI.
El grupo Art Wanson está sumamente orgulloso de que Andalucía sea una referencia del arte contemporáneo. Ya que desde Art Wanson Group se apostó por este punto de encuentro del Océano Atlántico y el Mar Mediterráneo desde hace muchos años, ubicando en el territorio andaluz su sede más representativa.
Laura Ávila
Redactora para Wanson
Fuentes:
© Centre Pompidou Málaga
© Maus
© Soho Málaga
Art Wanson Gallery/Group celebra el Día Internacional de La Danza en sus Galerías
Art Wanson Gallery rinde homenaje a la danza como lenguaje universal en este día tan especial del 29 de abril.
“La Cultura une más que cualquier discurso. Tened valor, asumid riesgos, a pesar de los obstáculos y el odio a los que sin duda os enfrentareis la belleza del mundo siempre estará a vuestro lado, como la danza lo ha estado para mí. Con su fuerza singular que hace desaparecer las distinciones sociales, aquellas ligadas a nuestros orígenes, para dejar únicamente el movimiento de los cuerpos en su más simple humanidad, seres humanos devueltos a su expresión más simple, singular y común” dice Mourad Merzouki, coreógrafo, quien ha sido este año solicitado como personalidad reconocida en el mundo de la Danza para transmitir un mensaje de paz a través de este Arte.
En 1982, el Comité Internacional de la Danza del “International Theatre Institute”, fundó el Día Internacional de la danza, establecido cada año al 29 de abril, fecha del nacimiento de Jean-Georges Noverre (1727-1810), creador del ballet moderno. En relación con la UNESCO, se trata de que un artista redacte un mensaje universal transmitido mundialmente.Nombrado en 2009, director del Centro Coreográfico de Créteil y del Val de Marne en Francia, es también fundador de la compañía ACCRORAP con la que presenta proyectos artísticos desde 18 años.
Art Wanson Gallery comparte su acento en la apertura al mundo considerando que todas las formas del Arte traspasan las barreras culturales y unen a los pueblos. “Art is an universal language that contributes to a better understanding between people, cultures and nations”, afirma convencida Mercedes Duerinckx fundadora y Ceo.
El Mensaje del Día Internacional de la Danza 2014
«Todo artista tiene el orgullo de su arte. Todo artista defenderá siempre el arte cuyo contacto le ha estremecido. A causa de lo que ha buscado y perdido, y a causa de lo que desea intensamente compartir.
Es el eco de una voz, la escritura encontrada, la interpretación de un texto que ofrece a la humanidad, la música sin la cual el universo deja de hablarnos, el movimiento que abre las puertas a la gracia. Yo tengo por la danza el orgullo del bailarín y del coreógrafo, pero también un profundo agradecimiento. Ha sido mi oportunidad. Se ha convertido en mi ética por la nobleza de su disciplina. A través de ella descubro el mundo cada día.
Íntimamente mía, me anima cada día con la energía y la generosidad que le son propias. Su poesía me tranquiliza. ¿Puedo decir que yo existiría sin la danza? ¿Sin la capacidad que me dio para expresarme? ¿Sin la confianza que he encontrado para superar los temores, para escapar de las rutas sin salida?
Sumergido gracias a ella en la belleza y en la complejidad del mundo, me hice ciudadano, ciudadano singular reinventando los códigos a lo largo de los encuentros, fiel a los valores de la cultura hip hop que transforma la energía negativa en fuerza positiva.
Vivo la danza día a día como un honor. Pero vivo este honor preocupado. Constato la pérdida de puntos de referencia, la imposibilidad para imaginar su futuro por parte de los jóvenes procedentes de barrios humildes que han crecido en la frustración y la tensión. Soy como uno de ellos, todos somos como ellos. Me siento animado, quizás más que otros, a dar ejemplo para ayudarles a repetir la vida.
¿No se enrique la sociedad con la riqueza de cada uno de nosotros?
La Cultura une más que cualquier discurso. Tened valor, asumid riesgos, a pesar de los obstáculos y el odio a los que sin duda os enfrentareis la belleza del mundo siempre estará a vuestro lado, como la danza lo ha estado para mí. Con su fuerza singular que hace desaparecer las distinciones sociales, aquellas ligadas a nuestros orígenes, para dejar únicamente el movimiento de los cuerpos en su más simple humanidad, seres humanos devueltos a su expresión más simple, singular y común.
Finalizo citando las palabras de René Char que me recuerdan cada día que no debemos dejar que nadie nos encierre en un rol ya escrito:
‘Impón tu suerte, aférrate a tu felicidad y ve hacia tu riesgo. Al mirarte, se acostumbrarán’.
¡Intentadlo, equivocaos y comenzad de nuevo, pero sobre todo bailad, no dejéis jamás de bailar!»
Mourad Merzouki
Traducción de Leonardo Santos Suárez
Copyright © 2014 Art Wanson Gallery
Art Wanson Gallery marca su presencia en el mercado alemán de arte
Art Wanson Gallery marca su presencia en el mercado alemán de arte
con la presentación de una atractiva selección de obras del maestro René Magritte, uno de los más celebres representantes del surrealismo en la Feria de Arte moderno, contemporáneo y Arte clásico de Karlsruhe que abrirá sus puertas del 13 al 16 de marzo.
AWG ha adquirido a lo largo de los diez últimos años, una solida experiencia en las principales ferias de Arte de Europa.
Sin duda, el mercado de arte alemán es uno de los más dinámico del mundo, y no es de extrañar que el evento en su undécima edición atrae cada año a expertos de arte de toda disciplina y a 50 000 visitantes.
En colaboración con la Galería Cortesina de Barcelona (ERVIUM TRADE, S.L) en el hall2 del centro de exposición, AWG ofrecerá a los privilegiados amantes del arte, coleccionistas, galeristas, el placer de contemplar únicas y exclusivas obras como por ejemplo escultura, litografías de René Magritte, el “rebelde burgués”, uno de los mejores artistas belgas de la historia.
El objetivo de esta exquisita selección es permitir disfrutar de estas magnificas piezas y ofrecer la posibilidad de adquirirlas. Efectivamente, la demanda de este creador de escenarios inusitados se ha incrementado en el último año, lo que convierte sus adquisiciones en pertinentes inversiones.
Mercedes Duerinckx, representante exclusiva para España de este renombrado artista, dando fe de gran rigor y confidencialidad, está además reconocida al nivel internacional en el mundo del arte como una de las mejores expertas y gestión privadas de coleccionistas de grandes maestros.
Link: http://www.artwansongallery.es/obras/esculturas/escultura-metalica/les-menottes-de-cuivre-id3840
EL ARTE CAPEA EL TEMPORAL
El 2012 ha trascurrido de sobresalto en sobresalto, nos hemos levantado pendientes, día a día, de conceptos que nunca antes habían estado siquiera presentes en nuestras vidas. Los rescates, las primas de riesgo, los mercados, han formado parte de una más de nuestras preocupaciones veraniegas, si no la más de ellas en algunos casos, y por desgracia parece que no van a dejar de preocuparnos en mucho tiempo.
La crisis no parece acabar nunca y la necesidad de asegurar el dinero, sobre todo las grandes fortunas, hace que, entre todos los malignos mercados que parecen tener nuestro destino en sus manos, el mercado del arte se convierta en una balsa en la tormenta. No es la primera vez que el mercado del arte parece mantenerse a flote en la mayor de las adversidades, el hombre es un animal de costumbre, sobre todo de costumbres que le han funcionado y ahora parece estar repitiendo lo que ya funcionó en la crisis de 1987.
En 1987 y hasta 1991 el mercado del arte se convirtió en un “valor refugio”. Ante el desastre económico que ya vivió occidente durante esos años, los inversores comenzaron a mirar al mercado del arte como esa balsa en la tormenta y las casas de subastas vivieron su lustro glorioso en el que los records se batían con una facilidad pasmosa, los grandes maestros alcanzaban precios astronómicos, las galerías de arte encontraban un nuevo mercado con pequeños coleccionistas, mientras que muchas jóvenes promesas hicieron su agosto. La gente confiaba en el arte , el arte se vendía y el arte generaba dinero a todas las escalas.
En 2009 muchos inversores recordaron aquella “fiebre del arte” de finales de los 80 que tantos pingues beneficios les había dado y el mercado del arte volvió a dar titulares más que frecuentes de adquisiciones y pujas millonarias, pero esta vez parece que la balsa del arte es muy pequeña y la tormenta mucho más grande que en 87.
No hay duda de que las grandes adquisiciones no se han visto mermadas por la crisis es más, gracias a la crisis y la necesidad de liquidez de algunos coleccionistas importantes hemos podido ver en mercado obras maestras que seguramente en otra situación no habrían visto la luz pública, como el famoso caso de “La esclusa” de Constable puesto en mercado por la baronesa Thyssen y vendido por la nada desdeñable cifra de 35 millones de euros.
Si nos remitimos a los titulares el mercado del arte va viento en popa. Durante los años
que ya va durando la crisis y mientras la economía de naciones enteras se iba a pique hemos podido ser testigos de ventas millonarias y records constantes en el mercado del arte; “El grito” de Munch fue vendido por más de 90 millones de euros, “Un au Plateau de Sculpture” de Picasso superó los 100 millones de dólares y “L’homme qui marche” de Giacometti alcanzó en subasta la increíble cantidad de 104 millones de dólares. De hecho 5 de las 10 obras de arte más caras de la historia han sido vendidas durante estos años y mientras el mercado global ha bajado un 1% el mercado del arte ha subido más de un 15% .
Sin duda estas grandes subastas realizadas generalmente por las dos históricas casas de subastas, Sothebys y Christie’s, han ayudado enormemente a que el mercado del arte no solo siga a flote sino que parezca ir viento en popa. Pero aparte de las grandes subastas hay otros dos factores fundamentales que han sustentado este enorme crecimiento.
En primer lugar el mercado del arte no solo se alimenta de las subastas, sino que las operaciones entre particulares, acordadas en privado y alejadas de los circos mediáticos que generan las subasta, han tenido en estos años un auge asombroso y las cifras que se mueven en estas operaciones privadas también alcanzan cantidades astronómicas, como el caso de los 250 millones de dólares pagados por “Les Joeurs de cartes” de Cezzane, la única versión del lienzo que aún se conservaba en manos privadas y que ahora parece que estará custodiado en algún palacio qatarí, ya que a pesar de los pocos datos confirmados de esta venta todo apunta a que la familia real de Qatar ha tenido mucho que ver en esta multimillonaria adquisición.
Y es que durante estos años de crisis y aunque sea incomprensible para el común de los mortales, el numero de millonarios a crecido en un 0,8 por cierto. Obviamente no todos estos millonarios acuden al mercado del arte para proteger sus fortunas, pero en un momento en el que los beneficios en otra clase de inversiones son nulos o muy bajos , el arte vuelve a estar en auge por su condición de valor seguro lo que ha provocado que el número de grandes coleccionistas este creciendo indiscutiblemente y con ellos las operaciones millonarias, lo que ayuda considerablemente a que el mercado del arte no se vea arrastrado por la crisis.
Pero sin duda uno de los factores que más esta ayudando a que la maquinaria
del arte siga funcionando es el motor Chino. Tras el despertar al capitalismo del gigante asiático, los millonarios chinos se han multiplicado y han entrado en el mundo del arte con mucha fuerza, sobre todo a la hora pujar y más aún cuando la puja es por piezas de compatriotas. De este modo los artistas chinos se han situado en el ranking de las grandes adquisiciones y sus piezas han alcanzado precios inimaginables hace apenas unos años, como por ejemplo el pintor chino Qi Baishi , convertido en el artista chino más cotizado de la historia tras vender “Águila sobre un pino” por más de 64 millones de dólares.
Pero el empuje asiático en tiempos difíciles tampoco es nuevo, en la crisis de 1987 también fue otra potencia asiática la que ayudado enormemente al crecimiento del sector, Japón. A finales de los ochenta el yen japonés se convirtió en una moneda mas que solvente y los coleccionistas japoneses se lanzaron a las compras millonarias de arte, un claro ejemplo de esta fiebre nipona por el arte lo encontramos en el empresario japonés Ryoei Saito quien en apenas unos meses realizo dos adquisiciones históricas y millonarias, “Retrato del Dr. Gachet” de Vincent Van Gogh por la que pagó 82,5 millones de dólares, y “Le Moulin de la Galette” de Renoir, adjudicada por 78,1 millones de dólares.
Remitiéndonos a los datos esta claro que el mercado del arte esta reaccionando prácticamente igual que en la anterior crisis económica, pero como ya apuntábamos anteriormente esta vez no parece que la tormenta vaya aclarar tan pronto y aunque el mercado del arte a más alto nivel no se esta viendo mermado, incluso esta saliendo fortalecido, en las bases de la maquinaria artística las cosas no van también, especialmente en España donde jóvenes artistas y pequeñas galerías se encuentran muy alejados de las cifras millonarias de las grandes subastas y dada las escasísimas políticas de promoción cultural y el delicado estado de las economías de los pequeños coleccionistas, muchas de estas galerías se ven obligadas a cerrar y las nuevas promesas del arte se quedan sin recursos.
No obstante no hay que perder la esperanza, que las altas esferas del mercado del arte estén capeando la crisis con tan buenos resultados favorece en todo punto al mundo del arte en general, generan noticia, generan interés por el arte y demuestran a grandes y pequeños inversores que cuando todo se tambalea, una obra maestra siempre es y será un valor seguro.
Marta de Orbe
Un pedacito de San Petersburgo en Madrid
Si hay alguna cita ineludible para estas navidades del 2011, si hay algo que todos los forofos de la cultura no pueden dejar de hacer y los no fororos también debería , es no desperdiciar la oportunidad de visitar El Hermitage de San Petersburgo ya que, solo por esta vez, no hará falta desplazarse a la fría Rusia sino que bastará con coger el metro e ir al Museo del Prado, ese Museo del Prado que con Zugaza a la cabeza no deja de sorprendernos con sus exposiciones temporales cada vez más ambiciosa e interesantes, cada vez de más calidad y en esta ocasión difícilmente superable.
Y es que reducir toda la Historia del Arte en poco más de 120 piezas y traérselas desde uno de los mayores museos del mundo, el mítico Hermitage, poco dado a préstamos y cesiones por cierto, es sin duda todo un logro. El caso contrario, lo mejor del Prado en San Petersburgo, también es sin duda un logro, un logro también conseguido por Zugaza el año pasado y que ahora recoge sus frutos dándonos a todos la oportunidad de disfrutar de esta fantástica muestra “El Hermitage en el Prado”.
La exposición, no tiene un pero, un repaso profundo a la Historia del Arte, no solo pictórico sino en todas sus disciplinas, desde antes de Cristo hasta el siglo XX, un viaje por el tiempo en que el que encontrase, o en el mejor de los casos reencontrase, con Tiziano, Caravaggio, Rembrandt, Durero, Brueghel, Ribera, Velázquez, Bernini…
Y cuando crees que ya has visto todo… un broche final de lujo, las salas dedicadas al XIX y al XX, en las que tampoco falta nada ni nadie, Picasso, Van Gogh, Cezanne, Monet, Renoir, Kandinsky y como colofón la oportunidad de ver, para irse con el mejor sabor de boca posible, uno de los lienzos más controvertidos de la Historia del Arte “Cuadrado Negro” de Malevich.
Simplemente no se puede pedir más, solo recomendar que nadie se la pierda, que aprovechéis las vacaciones para visitar una muestra realmente única, irrepetible, una exposición que por unos días, hará que el Prado sea, sin discusión ni debate, el museo de museos, el mejor museo del mundo.
España y Francia unidas por Givenchy.
La fortísima relación cultural que nos une con nuestros vecinos galos ha estado patente de manera constante a lo largo de la historia y en concreto en el mundo del arte. No han sido pocos los genios patrios que han encontrado en el país vecino lo que quizás el nuestro no era capaz de ofrecerles. Picasso, Buñuel, Dalí, Marsé…. no son pocos los nombres de artistas españoles que gracias a la gran acogida que les dieron en Francia consiguieron éxito y reconocimiento mundial, un reconocimiento que quizás en su tierra nunca hubiesen logrado….
Pero aquellos eran otros tiempos y hoy por hoy tanto España como Francia comparten, en igualdad de condiciones, una tradición artística y cultural reconocida mundialmente y son, ambos países, cantera de genios inigualables en prácticamente todas las ramas del arte.
Por ello nos alegra enormemente que el Consejo de Ministros haya concedido la “Orden de las Artes y las Letras de España” a un francés ilustre, un genio del arte y un pionero de la moda, Hubert Taffin de Givenchy. ¿Y porque? , pues por ser uno de los grandes diseñadores que pasaran a formar parte de la historia de la moda del siglo XX sin ninguna duda, por haber trabajado mano a mano con nombres tan importantes como Piguet o Schiaparelli y por convertirse en un gurú de la moda hollywoodiense de los años 50 tras el magnífico vestuario de la mítica “Desayuno con diamantes” en el que vistió a la aún más mítica Audrey Hepburn con aquel extraordinario vestido negro que se convirtió en un icono absoluto de elegancia.
Pero además de todo esto Givenchy ha sido uno de los mayores defensores de la moda española en el ámbito internacional gracias
a su infatigable y perseverante labor de difusión de la figura y la obra del maestro patrio Cristóbal Balenciaga, impulsando la creación de el Museo Balenciaga en Guetaria y constituyendo la Fundación Cristóbal Balenciaga de la que es Presidente Fundador y por si fuera poco no debemos olvidar que contribuyó decididamente a la creación del Museo del Traje de Madrid dando así un gran empuje a la moda española de ahora y elevando a histórica la moda española de antes y a sus grandes maestros, desde Fortuny a Pertegáz.
No nos quedaba por menos que agradecerle de alguna manera el ayudarnos a trasmitir al resto del mundo que España, al menos en el mundo de la moda, ha tenido y tiene aún mucho que decir….
El Pop-Art se ríe de la crisis.
Grecia esta al borde del abismo, el euro tambaleándose, la sombra de la ruina europea planea peligrosamente sobre nosotros y, de repente, el mundo del arte vuelve a recordarnos desde el otro lado del charco que sigue fuera de peligro, o al menos eso parece.
En cualquier caso la centenaria casa de subastas Christie’s no creo que tenga problemas en su balance anual tras haber realizado la semana pasada una venta histórica en su sede neoyorkina, adjudicando la obra titulada “I can see the whole room and there’s nobody in it!,” de Roy Lichtenstein por la friolera de más de 43 millones de dólares, 43 millones de dólares por una obra de arte, que no maestra, ni excesivamente relevante para el movimiento pop ni siquiera en la biografía del propio artista.
No obstante hay que reconocer que “I can see the whole room and there’s nobody in it!,” es una maravilla y un auténtico caramelito para los amantes del arte Pop, cuya demanda entre los grandes coleccionistas sigue siendo insaciable.
Realizada en 1961, es una obra precursora de lo que sería la inconfundible estética de Lichtenstein, quien con “I can see the whole room and there’s nobody in it!,” dio un contragolpe radical al arte predominante de aquella época en NY, el famoso y también muy demandado Expresionismo Abstracto Americano, un movimiento cargado de profundidad teórica y estética al que tanto Lichtenstein y sus demás colegas “Pops” se opusieron presentando aquellas obras llenas de esa banalidad irónica y esa estética popular con la que conseguirían crear uno de los movimientos artísticos más representativos del siglo XX.
Para muchos expertos estos dos movimientos, el Expresionismo Abstracto Americano y el Pop-Art , fueron los últimos grandes hitos de la historia del arte, y para el mercado del arte parece que también porque 43 millones de dólares en los tiempos que corren no se pagan por nada, pero ¿qué no se pagaría por un pedacito de historia?
Art Wanson Gallery 
