Richard Serra gana el Príncipe de Asturias
Tras galardonar el año pasado al emblemático arquitecto británico Norman Foster, este año el Premio Príncipe de Asturias de las Artes ha vuelto a mirar al mundo anglosajón y ha recaído en el genial escultor Richard Serra.
Indiscutiblemente el premio no podría estar más merecido porque Richard Serra es, sin duda alguna, uno de los pocos artistas contemporáneos que resistirán el paso del tiempo, el cambio de las modas y los avatares del mercado del arte asegurándose un capítulo en la historia del arte, un capítulo que queda definitivamente consolidado con este ilustre galardón.
Serra revolucionó el arte escultórico en los años sesenta erigiéndose como el gran maestro del acero, del plomo, del hormigón, el gran maestro de la materia y del vacío, del dialogo de los materiales con el espacio, el gran maestro de la ausencia y la presencia, en definitiva uno de los grandes escultores, sino el más, de la segunda mitad del siglo XX.
Las obras de Serra no dejan indiferente a nadie, impactan, emocionan y convencen a todo aquel que se pierde en los distintos recorridos que plantean sus inmensas piezas y transportan a un mundo de volúmenes, masas y texturas.
Aunque californiano, la relación de Serra con nuestro país no comienza con este galardón sino que viene de lejos, primero 
porque su padre era mallorquín y sobre todo por las grandes espirales de acero que diseño para una de las salas del Guggenheim de Bilbao e hicieron que su nombre sonara tanto a expertos del arte como a profanos y ahora su relación con nuestro país se ve reforzada siendo elegido el merecedor de uno de los galardones españoles más respetados y valorados internacionalmente
Y no lo tenia fácil por que el resto de candidatos eran figuras de la cultura internacional de primer orden como la bailarina Alicia Alonso, el director de orquesta Riccardo Muti, el cineasta Carlos Saura o el arquitecto Álvaro Siza entre otros ilustres nombres.
Al final la impecable y coherente trayectoria de Serra, sus fantásticos trabajos de formas contundentes y conceptos sugestivo y su incuestionable talento le han hecho valedor del Príncipe de Asturias a las Artes 2010.
Hubiese sido imperdonable que tras ser finalista del galardón en cuatro ocasiones no se lo hubiesen otorgado, igual que si el premio hubiera existido en el siglo XVI Miguel Ángel hubiese sido claramente galardonado, el gran escultor del siglo XXI no podría ser menos y por fin Richard Serra tiene su más que merecido Príncipe de Asturias y de paso un pie dentro de la futura historia del arte.
Marta de Orbe
Las obras de arte más caras de la historia
Hace apenas unos días la sucursal neoyorkina de la emblemática casa de subastas Christie’s volvió a lograr un record histórico. “Denudo, hojas verdes y busto” pintada por Picasso en 1932 fue adjudicada por la friolera de 81 millones de euros convirtiéndose en la obra más valiosa del malagueño y también en la obra de arte más cara jamás vendida en una subasta.
"Woman III" de Willem de Kooning
De este modo nuestro español más universal desbancaba del altar de las subastas a Giacometti quien gracias a su “Le homme que marche”, vendido el pasado mes de febrero en Sothebys por 74,3 millones de euro, había ostentado el título del artista más caro en subastas al menos por unos meses y ahora pasa a ocupar el cuarto lugar del ranking de las obras de arte más caras de la historia.
Y digo el cuarto lugar y no el segundo porque a pesar de que Picasso y Giacometti están en el olimpo de los precios más elevados en subasta, el mercado del arte no se reduce a las veladas de pujas organizadas por las casas de subastas en todo el mundo y las transacciones entre particulares están a la orden del día y se mueven en precios verdaderamente astronómicos.
Precisamente en unas de estas transacciones entre particulares es donde encontramos las dos obras de arte más caras de la historia, dos obras que no son ni de Picasso, ni de Giacometti, ni de ningún gran artista de las vanguardias históricas, ni si quiera de un clásico como Rubens o Rembrandt, sino que están firmadas por dos de los más ilustres genios americanos del siglo XX, Jackson Pollock y Willem de Kooning.
“Woman III” de de Kooning ocupa el segundo puesto en este millonario ranking desde que en noviembre de 2006 David Geffen, importante productor musical y uno de los mayores coleccionistas de arte del siglo XX, la vendiera en una transacción privada al magnate Steve Cohen por nada más y nada menos que 107 millones de euros. La obra es uno de los pocos ejemplos del expresionismo abstracto figurativo y el único lienzo de la serie “Women” que se encuentra en manos privadas, ya que el resto de la serie esta celosamente custodiada en las salas del MOMA.
"Number 5 " de Jackson Pollock
Pero los 107 millones del lienzo de de Kooning aún quedan lejos de la cantidad pagada por la que sin duda es la obra de arte más cara de la historia, “Number 5” del gran maestro del expresionismo abstracto Jackson Pollock, un lienzo de más de 2 metros de alto realizado en 1948 y que en 2007 fue vendido una vez más en una transacción particular y también una vez más por David Geffen al multimillonario mexicano David Martínez quien no dudo en pagar la cifra más astronómica que jamás se ha oído en el mercado del arte, 109 millones de euros, más de 17.000 millones de las antiguas pesetas, es decir una barbaridad en cualquier moneda.
Así que ni viejas escuelas, ni impresionismo, ni vanguardias europeas, el expresionismo abstracto sigue ocupando el podium del mercado de las obras de arte y parece complicado poder alcanzarlo….
Marta de Orbe
Lou Reed más romántico que nunca
El mayor representante de la movida musical neoyorquina en los 70, fundador de la mítica banda The Velvet Underground e íntimo de Warhol, el legendario Lou Reed ha resultado ser además de un músico excepcional, un fantástico fotógrafo.
El gusto por la fotografía de Reed viene de lejos, fascinado por su querido New York ha realizado más de una serie fotográfica inspirada en la ciudad de los rascacielos, pero su último trabajo, que durante estos días se puede ver en el Museo Es Baluard de Palma de Mallorca, supera con creces a sus series neoyorquinas y le sitúa como un fotógrafo de pura cepa.
Bajo el título de “Romanticism” Lou Reed nos sorprende con una serie de 23 fotografías tomadas entre 2005 y 2008 durante sus giras por España, Escocia, China, Italia, Dinamarca o Canadá, entre otros países y que salen a la luz por primera vez en el museo mallorquín.
Para todos los escépticos en la calidad artística de la obra de un músico convertido en fotógrafo, os despejamos toda clase de duda, Lou Reed es un genio también tras el objetivo.
Sus fotografías son impactantes, cautivadoras, excepcionales y llenas de historia pues Reed ha fijado la lente de su Alpa en paisajes, arquitecturas, tormentas, atardeceres, al más puro estilo de la estética romántica del XIX. Y es que el título de la serie “Romanticism” le viene al pelo, por que cada uno de los 23 trabajos sintetiza el gusto del estilo del XIX al milímetro. Viejas ruinas, monumentos abandonados, naturalezas violentas, tormentas, luces sombrías, una autentica maravilla que seguramente dejaría sin habla al mismísimo Turner.
Toda una sorpresa del siempre imprevisible Lou….
Marta de Orbe
«Test 2003» de Al Atiq
Nuestra obra de esta semana mira directamente al próximo oriente, pero no al oriente tradicional y mitificado de las mil y una noches, al oriente del desierto y de los pequeños pueblos nómadas, sino a un oriente moderno, actual, cosmopolita y lleno de nuevos talentos que estamos seguros que pronto darán mucho que hablar en el mercado del arte internacional.
Y para acercarnos a este próximo oriente del siglo XXI hemos elegido la obra de uno de los artitas contemporáneos más relevantes de Qatar, Al Atiq, un artista, que ha pesar de nacer, crecer y formarse muy lejos de la vieja Europa se ha transformado en un auténtico humanista, ya que Al Atiq no es solo pintor, su carrera profesional le ha hecho destacar como diseñador grafico, editor, arquitecto y ante todo como artista.
Como podéis ver en este fantástico lienzo, Al Atiq bebe de los lenguajes artísticos occidentales, el informalismo, la abstracción, los lienzos matéricos y los collages de las vanguardias históricas, se conjugan en la obra de Al Atiq mezclándose con su toque personal influenciado por los colores ocres de su tierra natal y las texturas cambiantes de las texturas del desierto que le vio nacer, y cuyo resultado es tan efectivo, sorprendente, moderno y universal que nadie se atrevería a decir que se trata de la obra de un artista árabe.
Con esta fantástica pieza realizada en barro Al Atiq nos recuerda que en el imparable resurgir de los países pérsicos el arte tiene y tendrá un lugar destacado y los artistas árabes pronto ocuparan un lugar importante en las subastas internacionales, esto es solo un anticipo…
“Rincón I” de Eduardo Naranjo
Suponemos que cuando veáis nuestra obra de la semana pensareis que de nuevo hemos apostado por una fotografía.
Y también suponemos que os quedareis tremendamente asombrados al descubrir que nuestra obra de la semana no es una fotografía sino un fantástico lienzo hiperrealista realizado por uno de los genios del arte contemporáneo español, Eduardo Naranjo.
Naranjo no necesita presentación, es uno de los más brillantes representantes del hiperrealismo español, con una carrera artística profunda e intachable, su estilo y su maestría técnica le han hecho ocupar un lugar indiscutible en el arte contemporáneo.
Sus obras plasman la realidad con tal precisión que en un primer vistazo el ojo puede confundir con facilidad la técnica de la obra y pensar que se trata de una fotografía porque, Naranjo, consigue capturar la realidad en sus lienzos de una forma sorprendente gracias a sus acertadas pinceladas, su detallado estudio de la luz y sobre todo a su don mágico y único que le convierte en un artista con letras mayúsculas.
“Rincón I” es un claro ejemplo del estilo y del genio creador de Eduardo Naranjo, los blancos perfectamente tratados de la tapia, los reflejos del sol en los tejados, la indiscutible maestría con la que plasma el cielo, un cielo tan real que incluso parece que sus nubes están en movimiento, una composición tan delicada y perfecta que nos transporta a ese mismo lugar fundiendo realidad y ficción y transmitiéndonos sensaciones tan reales que llegan a ser sensoriales, apreciando detenidamente el lienzo podemos incluso sentir el clima de ese momento la temperatura, la luz, un ligero viento……..gracias a una obra simplemente perfecta.
Eduardo Naranjo nos demuestra una vez más con este “Rincón I” que es uno de los grandes de la pintura, un auténtico artista tocado por la varita mágica del genio creador, un fuera de serie y uno de los artistas más perfectos que existen actualmente en el panorama español cuyas obras deben estar en cualquier colección de arte que se precie porque, adquirir un Naranjo es adquirir arte en estado puro
El Guernica sigue dando guerra
La obra maestra del arte contemporáneo español, para muchos incluso del mundial, parece no poder descansar tranquila en ningún lugar del mundo.
Nuestra fatídica guerra civil, hizo que fuese a parar a New York donde residió algunos años hasta que en 1981 por fin volvió a España. Pero para aquel entonces el Guernica había estado presente en más de 30 exposiciones, con sus 30 traslados, sus 30 montajes y sus correspondientes 30 desmontajes y su salud empezaba a ser preocupante. Tanto trajín y un rosario de restauraciones cuando menos cuestionables hicieron del Guernica una pieza extremadamente delicada por lo que cuando en 1992 se decidió incluir en la colección permanente del Reina Sofía y tras el posterior informe de restauración de 1998 en el que se especificaba que el lienzo no debería de volver a exponerse a ningún tipo de traslado fuera del Museo, pareció que el cuadro al fin descansaría.
Tan alarmante fue el informe de 1998 que no se aprobó el traslado de la obra ni siquiera cuando el País Vasco la reclamó para el
Montaje del Guernica en el Reina Sofía
70 aniversario del bombardeo de Guernica, siguiendo las estrictas medidas de conservación que marcaban tan manido informe, lo que hizo pensar que el Guernica ,por fin, se quedaría para siempre en las salas del Reina , donde su actual director Manuel Borja-Villel ha querido mostrar la obra en todo su esplendor contextualizándola junto a otras de las obras que formaron parte de la Expo de París en 1937 como la “Fuente de mercurio” de Calder y otras tantas con las que se intenta transmitir al visitante toda la importancia histórica de tan ilustre obra.
Pues bien parecía que el Guernica ya estaba en su sitio, bien contextualizado y siendo la obra estrella indiscutible de la colección del más importante museo nacional de arte contemporáneo de nuestro país… todo en orden.
El desorden ha vuelto cuando un insólito comentario privado del director del prado, Miguel Zugaza, dio a entender que podría tener en mente reclamar el Guernica para el Prado lo que hizo una vez más que saltaran las alarmas. La ministra no ha tardado en confirmar que “el Guernica no se mueve” pero aun así la polémica esta servida….
El Guernica en su sala del Reina Sofía
Ni por discurso museográfico, ni por contexto histórico el Guernica podría encajar en el Prado, aún así algunos afirman que Picasso dejo expresamente escrito en su testamento que quería que su obra maestra fuese al Museo del Prado, del que él mismo había sido director antes de la contienda civil, puede ser un buen argumento pero si nos ceñimos a los deseos póstumos de Picasso el cuadro seguiría en New York puesto que también decía en su testamento que la obra volvería a España cuando las libertades democráticas de la república volvieran al país, y aquí de la república no hay ni rastro…
El otro problema es que el Reina sin su Guernica se queda cojo, es su obra estrella y la causante del mayor número de visitas a la institución y el Prado al fin y al cabo es el Prado, es simplemente uno de los mejores museos del mundo, no necesita más.
El Guernica durante su estancia en el Casón del Buen Retiro
En cualquier caso esperemos que pase lo que pase el Guernica no sufra, que ya ha pasado lo suyo, y que los responsables de lainstituciones tengan como idea principal que lo importante es que los nietos de nuestros nietos tengan la oportunidad de disfrutar en vivo y no con proyecciones holográficas de una de las más importantes obras de arte del siglo XX y del mayor símbolo histórico del horror de nuestra guerra que aún nos estremece y nos recuerda que no podemos permitir que vuelva a suceder, como tampoco puede suceder que la mejor conservación posible de la gran obra picasiana deje de ser la prioridad esencial de los agentes culturales que la custodian.
Marta de Orbe
Semana Santa entre pasos y arte
Por fin ha llegado la Semana Santa, lo que para la mayoría significa un anhelado descanso antes del spring final hasta las vacaciones estivales. Pero además la Semana Santa es una fantástica ocasión para adentrase en el arte desde la calle.
Más allá de creencias, devociones y devotos, la Semana Santa es una auténtica performance artística, las obras de arte salen a la calle y se acercan al público y la gente participa de ellas y en ellas completando el significado de cada una de las obras, una performance en toda regla, lo que una vez más nos lleva a la reflexión de que nada es tan moderno como parece y los artistas del tan innovador y ultramoderno performancing, no solo no han inventado nada sino que hacen algo que ya se hacia en el siglo XIII, con la diferencia de que los pasos de Semana Santa giran entorno a indiscutibles obras de arte y los performance actuales giran entorno no se muy bien a que, pero reservaremos este tema del sin sentido de los performance para otro post…
Lo que ahora nos ocupa es como aprovechar esta Semana Santa para ver lo mejor que sobre arte nos ofrece nuestra siempre cultural capital. Desde este domingo las procesiones y pasos ocuparan las calles madrileñas pero los días grandes son, claro esta, el jueves y el viernes santo.
El jueves puede ser un buen día para pasearse por el barrio de salamanca a la espera de que salga la procesión del Divino Cautivo, pero hasta que el dramatismo doloroso de esta imagen invada las calles de Serrano, Ortega y Gasset y Príncipe de Vergara, podemos aprovechar y ver la fantástica exposición sobre el gran Gregorio Marañón que acoge estos días la Biblioteca Nacional o acercarnos al Museo del Prado para disfrutar de “El arte del poder” , una de la mejores exposiciones del año.
El viernes es el día de una de las procesiones más arraigadas en el pueblo madrileño, a las siete de la tarde, detrás del mítico hotel Palace, se abrirá la puerta de la pequeña iglesia que alberga al Cristo de Medinaceli y la espera puede hacerse más corta yendo al Museo Thyssen y disfrutando de otra de las grandes exposiciones de la temporada “Monet y la abstracción” o acercarse al siempre agradable CaixaForum y ver su fantástica muestra de fotoperiodismo “Fotopres La Caixa”.
En definitiva Madrid una vez más se llena de opciones costumbristas, artísticas y culturales para todos los que por necesidad o por gusto se queden en la capital estos días.
Marta de Orbe
Qi Baishi entra en el olimpo de los superventas del arte
En las últimas décadas si hay algo que ha caracterizado al siempre sorprendente mercado del arte es que, salvando alguna adquisición concreta, las grandes ventas en subastas solían concentrarse en la obra de unos pocos artistas, siempre de postguerra, generalmente pertenecientes a alguna de las vanguardias históricas y por supuesto occidentales. Siguiendo estos parámetros el podium de superventas en el mercado del arte en los últimos años ha estado ocupado por Picasso en primer lugar, seguido de Warhol y un tercer puesto que en 2009 y por primera vez en la historia ha sido ocupado por un artista asiático, en concreto chino.
Y es que el gigante asiático parece haberse despertado definitivamente y esta decidido a ponerse a la cabeza de todos los mercados, incluido el del arte, de hecho China ya es el tercer mercado del arte más importante del mundo tras Londres y New York y ahora un artista chino, muy popular en su país pero apenas conocido en occidente se ha posicionado a la altura de los grande gurús del arte occidental.
Se trata de Qi Baishi, un humilde y prolífico pintor chino que durante toda su carrera no abandonó la milenaria tradición pictórica china y que ahora , más de medio siglo después de su muerte, se ha convertido en el tercer superventas, con permiso de los intocables Picasso y Warhol, alcanzando un valor de ventas en subasta de 70 millones de dólares en el pasado 2009 e incrementando su cotización en un 73% respecto al 2008.
Y no es de extrañar por que la obra de Qi Baishi recoge toda la delicadeza, sencillez y elegancia del arte chino más tradicional, por algo Picasso ya dijo de él que era “El más importante de los pintores orientales” y casi un siglo después el mercado da la razón al maestro malagueño y encumbra la obra de Qi Baishi convirtiéndole en el tercer artista más cotizado de la historia.
Así que parece que el péndulo del arte bascula hacia oriente, veremos que pasa cuando la manida crisis financiera vuelva a templar las aguas del mercado del arte y comprobaremos si todo ha sido un espejismo o si definitivamente China va a llevar las riendas del mundo en el próximo siglo, en el que quizás el arte occidental pasa a ser algo puramente anecdótico como lo ha sido el oriental durante tanto tiempo.
Marta de Orbe
El Museo de Ourense presenta la mayor retrospectiva de Fernando Barreira
“Consecuencias, 1980/2010, treinta años de obsesiones” es el título de la muestra que a partir del próximo 25 de marzo acogerá el museo de Ourense, una exposición sorprendente y muy personal en la que se expone lo que es y ha sido el universo creativo de Fernando Barrerira a lo largo de más de treinta años.
La muestra nos dará la oportunidad de conocer en profundidad la obra de uno de los artistas gallegos más interesantes del panorama actual y será una de las pocas exposiciones en la que el artista ha estado completamente implicado, de hecho Barreira se ha pasado los últimos tres años trabajando por y para esta retrospectiva y ha estado personalmente involucrado en el montaje de la misma, un montaje que, como la propia obra de Barreira, esta lleno de efectismo y teatralidad creando una autentica puesta en escena en la que el espectador percibirá el impacto y el significado de cada secuencia pictórica, de cada conjunto escultórico , en definitiva del propio Barreira.
De este modo el visitante será recibido por un inmenso panel negro del que colgará una minúscula y delicadísima escultura de un columpio que dará la bienvenida al público. Tras esta introducción más de 50 obras entre bronces, oleos, dibujos y collage ocuparán dos plantas del museo de Ourense permitiendo al espectador sumergirse de lleno en el universo creativo de Barreira.
Todas piezas impactantes, inmejorables y fascinantes como su tríptico de “Las malas”, con la mala vida, la mala suerte y la mala prensa o el de “Las emociones” en el que Barreira muestra su visión de el afecto, la violencia y la apatía. Pero si los oleos de Barreira seguro nos cautivan, sus bronces y collages no se quedarán a la zaga y dejaran boquiabiertos a los visitantes.
Una exposición íntima, personal, apasionante y muy interesante que permitirá descubrir el talento de Fernando Barreira de una manera rotunda. La calidad de cada una de las piezas y el cuidado y estudiado montaje de la muestra vaticinan un éxito seguro y una parada obligada en la primavera orensana.
Marta de Orbe
Arte y fallas en Valencia
El invierno tiene los días contados, San José esta a la vuelta de la esquina y un año más Valencia se viste de gala para celebrar su fiesta por antonomasia, las fallas.
Lucia Lopez
Pero un día antes de que las hogueras de los ninots den el pistoletazo de salida a la primavera, ArtWansonGallery, en colaboración con la galería Puchol, inauguran su aportación artística a la gran fiesta valenciana, una nueva exposición colectiva con la que ambas galerías volverán a llevar a su espacio del Hotel Westin Valencia lo mejor del arte contemporáneo.
Se trata de un fantástica exposición en la que podremos encontrar una gran variedad de obras realizadas en distintos soportes, técnicas y estilos lo que supone una oportunidad inmejorable para contemplar y adquirir obra contemporánea con más de cuarenta piezas, entre pinturas y esculturas, que fusionarán una vez más lo mejor de cada galería.
De este modo los apasionados de la escultura podrán deleitarse con las asombrosas piezas del artista chino Huang Gang, los delicados bronces de la francesa Adéle Vergé o las fantásticas figuras hiperrealista de guerreros y mujeres masais que presenta la escultora holandesa Marianne Houtkamp.
Tom Adams
Pero los que prefieran dejarse seducir por la pintura tendrán la oportunidad de contemplar los impactantes desnudos de Isidoro Lázaro, las escenas impresionistas de Carmen del Berro, los magníficos lienzos de corte simbolista de del gran ilustrador norteamericano Tom Adams o los delicados retratos oníricos e ilusorios de Lucia López.
Una vez más ArtWansonGallery vuelve a volcarse en la promoción de sus artistas y en la difusión del arte contemporáneo llevando hasta la ciudad del Turia esta fantástica muestra con la que los visitantes podrán disfrutar de los trabajos de algunos de los artistas internacionales más prometedores del arte actual y apreciar la variedad de estilos y vertientes que esta adquiriendo el arte contemporáneo.
Una excepcional y muy cuidada selección de obras contemporáneas de un elenco de artistas internacionales de primer orden en las que la calidad técnica y creativa de cada uno de ellos hará las delicias de todos aquellos que hasta el próximo mes de abril decidan acercarse a un oasis de arte contemporáneo entre hogueras y tracas.
Marta de Orbe
Art Wanson Gallery 